Art Criticism in the 20th Century

作者：  沈语冰著

出版社：中国美术学院出版社,2003

简介：　　理论界流行着这样的见解：20世纪乃“批评的世纪”。单从一波接一波风起云涌的批评理论[critical theories]而言，这种说法似乎并不夸张。从上世纪初的英美新批评、俄国形式主义、精神分析学派，到上世纪中叶的结构主义、新结构主义、女权主义、新马克思主义，再到世纪末的新历史主义与后殖民文化批评，批评理论在20世纪的人文学科中确乎风光无限。即就视觉艺术批评来说，与上个世纪潮流迭起的艺术运动一样，艺术批评同样充满了精彩纷呈的景观：阿波利奈尔[Apollinaire]、罗杰·弗莱[Roger Fry]、本雅明[Walter Benjamin]、赫伯特·里德[Herbe rt Read]、克莱门特·格林伯格[ClemenlGreenberg]、阿尔法雷德·巴尔[Alfred Barr]、哈罗德·罗森伯格[Harold Rosenberg]、约翰·伯格[John Berger]、波普艺术批评家群体、查尔斯·詹克斯[Charles Jencks]、奥利瓦EOliwa]、阿瑟·邓托[Arthur Danto]、汉斯·贝尔廷[Hans Belting]、罗莎琳·克劳斯[Rosalind Krauss]、彼得·贝格尔[Peter Burger]、加布利克[Suzi Gablik]、胡伊森[Huyssen]、T．J．克拉克[T．J．Clark]、麦克尔·弗莱德[Michael Fried]、西尔盖·吉博[Serge Guibaut]、唐纳德·库斯比特[Danald Kusbit]、希尔顿·克莱默[Hilton Kramer]、斯蒂芬·莫拉夫斯基[Stefan Morawski]以及，或许是上世纪最伟大的批评家泰奥多·阿多诺[Theodor Adorno]。 　　　　然而，这些批评家及其理论在中国的命运却大不相同。当国内支学批评界对上世纪的各种文学批评理论如数家珍的时候，上述艺术批评家当中的许多人在国内艺术批评界甚至闻所未闻。艺术史向来被认为是本国史学中最弱的学科之一，而艺术批评理论的匮乏无疑加剧了它的不堪。上世纪最著名的艺术批评史家文丘利[Venturi]曾经断言：一切艺术史都是批评史，因为艺术史中对作品的描述、解释与评价无不涉及艺术批评，或者不妨说就是批评的任务。20世纪下半叶对西方艺术史的不满程度，可以从欧美各国质疑艺术史的方法论基础的出版物的持续升温这一事实中见出。可以这样说，批评理论的迅速发展已经改变了艺才史的方向。相应地，它的缺失也就成了国内艺术史学科的重灾区。 　　 批评家作为现代艺术潮流的孵化者、报导者、仲裁者甚至制造者，早已被公认为当代艺术动力机制中的关键。试想一下这些批评家在催化与帮助人们理解那些艺术运动中的角色：弗莱之于后印象派、阿波利奈尔之于立体派、格林伯格之于抽象表现主义。也许，我们可以援引美国艺术批评家库斯比特的观点作为我们对艺术批评的一般性质的初步认知。他认为，艺术批评家的角色经常是悖谬的。因为当艺术品还很新鲜和怪异时，他就率先，常常是最鲜活地做出反应，并且初步向我们解释它的意义。然而，他的反应又常常不很全面，因为这样的艺术品还没有被广泛地体验过：作品尚未有一个历史，一个据此可以解释“文本”的语境。当批评家将艺术品当作一个当下产品来遭遇时，它还缺乏历史“负载”。事实上，批评家的部分工作就是要在历史的法庭上赢得胜诉。这就是为什么，正如波德莱尔所说，批评家经常是一个对艺术品“充满激情和党派性的观察家”，而不是对其价值做出无翻害的判断的裁判员的原因。正因为它的当代性，他扮演着鼓动家的角色，只能从作品本身的角度来处理整个案子。对敏感的批评家来说，作品始终让他感到惊异，而他则始终对它保持热度。他会让未来的历史家们去处理诸如解剖艺术品——到那时，它通常已被假定有一个公认的意义一一之类的事情。 　　　　然而，批评家当下的观点常常成为有关该作品的本质特征的基本评价。批评家的反应，如果说不是所有未来解释的范型，至少是所有未来解释的条件。他的关注是作品进入历史的门票。现代批评家权力的标志，就是他对新艺术的命名。比如，路易斯·沃塞尔[LouisVauxcelles]的标签“野兽派”和“立体派”就曾大大地影响了人们对这些风格的理解。通过命名，这些艺术品对未来的人们来说就被赋予了某种本质特征。而且，只不过以“符号圈地运动”[Semioticenclave]——借用乌贝托·埃科[Unberto Eco]的术语一一作为开端的理解，成了话语构型的一整套语言，并且开创了各种观点的全部氛围。说白了，其责任是重大的。格林伯格有一回曾写道，批判性地趋近艺术品的最佳时机是当它的新颖性已经逝去而它自身却尚未成为历史之时。然而，正是在这一时刻，艺术品的阐释最是未曾得到解决，最是易受攻击的时候；也是在这样的时刻，批评家以即席命名的形式所作的当机立断，能够一劳永逸地封存它的命运。因此，正如奥斯卡·王尔德[Oscar Wilde]在《作为艺术家的批评家》[Critics as Artists]当中所说的那样，批评对艺术至关重要；批评把握、保存、培育、提升艺术。 　　　　由于对批评的效验估计不足，也由于对欧美上百年的现代艺术批评缺乏起码的参照，国内艺术批评多少尚处于黑暗中摸索阶段。最近10年来，虽有不少西方当代艺术材料被介绍进来，但是，令人遗憾的是，甚至介绍者本人对这些材料也不甚了了(国内乱轰轰的后现代主义理论研究即是明证)，或者以一种绕口令般的伶牙利齿在美术界捣浆糊，使本来严肃的学术工作往往成为一场混仗。于是，甚至出现了——据说流行于美术学院——“西方艺术没有什么，他们要等到塞尚以后才有文人画”之类的荒谬绝伦的观点。如果说本书有什么主题的话，那么其中之一肯定是对这种观点的批评。正当我们奋力抵抗所谓的“西方中心主义”的时候，曾几何时，中国中心主义早已偷偷地从后门溜回来了。事实上，它又何曾从我们泱泱大国五千年文明的“中国”血液中离开过?将艺术界(包括艺术教育界)观念的混淆单纯地归结为缺乏真正意义上的艺术批评(因为批评的原义之一就是“辨析”，亦即使观念尽可能清晰地得到表达)，可能失之简单。但是，对西方艺术批评的漠视与无知，已经让我们的学生吃足了苦头。 　　　　后果之一便是今日中国艺术走向了两个——至少在我看来——毫无希望的极端。在一极，艺术成了一种单纯的笔墨游戏与自娱自乐，一群与当下感性毫不相关的文人雅玩或匠人的玩意见。这类所谓的画家像龟缩在洞穴中的爬行类动物，固执而有耐心地蛰伏在他们的弹丸之地，他们坚固的硬壳足以抵挡任何来自外界的风雨的骚扰，社会的转型、生活的演化、感受性的变迁、审美观念的变化，在他们看来都是毫无意义的东西，或者干脆是不存在的。其理论依据据说来自丹尼尔·贝尔[Daniel Bell]的文化矛盾学说，一种认为在经济一技术、政治一社会与审美一文化之间有着不同步的结构的观点。问题在于，在贝尔那里只是一种“事实”[fact]的描述(还是相互“矛盾”的事实)，到了中国的文化保守主义者那里却成了一种可以遵照无误的“规范”[norm]。另一种理论据说是波普尔[Karl Popper]的“问题情境”，学说与贡布里希[E．Gombrich]的“图式理论”，一利认为艺术史的风格是艺术家在一定的情境中解决艺术问题的结果的思想。在这儿，波普尔的多样性的“问题情境”被许多人还原为单纯的“形式问题”，而在贡布里希那里是如此丰富而多层次的“趣味逻辑”则被简化为纯粹的“程式与匹配”的“形式课题”(好像贡布里希从来没有关心过趣味的变化似的)。 　　 文化保守主义者的另一个理由据说来自“对20世纪中国艺术史逻辑的观照”。在他们的观照中，20世纪的所谓“三大艺术思潮”，即主张水墨画西化的徐悲鸿与主张中西融合的林风眠都或多或少地失败了，唯独主张“拉开中西绘画距离、各自迈向各自高峰”的潘天寿取得了伟大的成功，并与吴昌硕、黄宾虹、齐白石一道，成为20世纪中国艺术史上最伟岸的大师。本书作者无意否定上述诸人的成就，对诸大师之间(包括徐、林在内)的排队问题也丝毫不感兴趣。我想指出的只是这样一个从未或很少处在人们反思范围中的事实：即20世纪30至40年代的中国现代艺术(特别是在上海)是如何在上世纪中叶的政治运动与保守主义分子的群起而攻之之下渐渐消亡的。所谓“三大思潮”，不管是西化派、融合派还是距离派，在我看来，只是文化保守主义阵营内部的争吵。而20世纪中国艺术史真正的三大思潮中，只有文化保守主义获得了空前成功，来自苏联的社会主义现实主义”过去在国内就没有得到过心悦诚服的承认，如今则早已成为新左派批评家反刍的草料，而现代主义的罂粟却像昙花一样烟消云散。但是，它顽固的毒素在被压抑了整整30年以后，终于在80年代中期悄悄绽放。 　　 第二个极端——在我看来是一个更阴险也是更恶毒的极端——就是在90年代以后以发烧似的热度迅速传播的流行性病毒：后现代主义。正如在欧美，后现代主义是无法挑战现存资本主义的情况下左派激进冲动的一种替代性选择(特别参见法国少壮派理论家费里与雷诺[LucFerry and Alain Renaut]对后现代老大师们的反击之作《60年代的法国哲学》[French Philosophy of the Sixties]，以及伊格尔顿[Eagleton]的《后现代主义的幻象》[The Illusions of Postmodernism])，中国式后现代主义的盛行也是80年代末中国激进知识分子新启蒙运动受挫的结果，从此，后现代主义立刻成为文化保守主义与新左派的最佳救命稻草，并加速了文化保守主义与新左派在反对现代主义这一点上的同盟，再次完成了对80年代中国现代主义的扼杀(情形与40年代末有着惊人的相似)。 　　　　后现代主义是兴起于西方60年代，在70年代达到猖獗的哲学、社会文化与艺术思潮。80年代初，主要由于哈贝马斯[Habermas]的分水岭之作《现代性：一项未完成的方案》[Modernity：An UnfinishedProject]的宣读，西方思想界开始了对后现代主义的强大的批判运动。80与90年代西方人文学科与社会科学的一个主题，可以被归结为现代主义／后现代主义之争。这在思想界表现在伽达默尔／德里达[Gadamer／Derrida]之争、哈贝马斯／福柯[Habermas／Foucault]之争这样的大师级理论交锋中，表现在法国新生代思想家费里与雷诺等对前此20年中拉康[Lacon]、福柯、德里达、布尔迪厄[Bourdieu]、博德利亚尔[Baudrillard]、德勒兹[Deleuxe]与利奥塔[Lyotard]的压倒性后现代思潮的直接对抗上，体现在德国中生代思想家魏尔默[A．Wellmer]、霍内特[A．Honneth]与法兰克[M．Frank]对法国思想的全面挑战中。在批评界体现在希尔顿·克莱默对后现代主义“庸人的报复”(参同名批评文集The Revenge of the Philistines)所作的反击上，体现在哈贝马斯与魏尔默对詹克斯的“后现代主义建筑理论”所作的驳正上，也体现在艺术批评界持久的“沃霍尔[wlarh01]还是博伊斯[Beuys]”的争论中。在艺术运动中，它不仅体现在德国“新表现主义”对美国波普艺术的宣战中，体现在98－99年美国现代艺术博物馆所举办的波洛克EPollock]大型回顾展中(并比较80年代批评波洛克及其高度现代主义的著名论文集《波洛克之后》[Pollocck andAfte门，以及99年出版的“批判之批判”论文集《波洛克：新的取向》[Pollock：New Approaches])，还体现在人们对晚期德朗[Derain]、巴尔蒂斯[Balthus]与莫兰迪[Morandi]的具象绘画的那种持久高涨的热情中。 　　　　90年代以来，几个特殊的案例事实上已经宣判了作为一种持续的哲学、思想文化与艺术思潮的后现代主义的死亡，尽管它的某些假设还将产生持久的影响。这也是拙著《透支的想象：现代性哲学引论》(学林出版社2003年版)的结论之一。在这些案例中，“海德格尔[Heidegger]事件”、“保罗·德·曼[Paul de Man]事件”与“索卡尔[Sokal]事件”具备足够的典型性。据说海德格尔是20世纪最具原创性的思想家，只有维特根斯坦EWittgenstein]一人堪与媲美。但是，海氏将希腊的存在本体论、中世纪的神学本体论与现代的逻辑本体论，一视同仁地概念化为“存在一神一逻辑学”[Onto-Theo-Logik]是一种典型的削平论。相应地，他将苏格拉底以后的整个西方历史一律视为“远离神的黑暗”，并于20世纪来到“黑夜之夜将达夜半”的最黑暗时期，也是对西方历史的过分简化的图解(显然是尼采的反启蒙思想“人类历史不是一部进步史，而是一部退化史”的翻版)。由于海德格尔戴上了这样一副哲学墨镜，他就不可能对20世纪现实中的色彩与层次做出区分，从而将国家社会主义、极权主义与自由民主制一律视为“现代性的产物”。在他看来，德国纳粹主义、苏联共产主义与美国自由主义，统统都是“同一回事”。这在某种程度上解释了他在德国纳粹运动中以及在其后的“非纳粹化”运动中的所作所为。“海德格尔事件”的复杂之处固然不容许人们在一个思想家的思想与他的在世行动中做简单的彼此类推，亦即，说海德格尔的思想直接导致了他的纳粹行为，或者说海德格尔一度的行为证明了他的思想是纳粹主义的，这都是不明智的。但是，如果说海德格尔的思想，再宽泛一点讲，德国20-30年代右翼知识分子(海德格尔、容格尔[Ernst Junger]、舍勒尔[Max Scheler]、卡尔·施米特[Karl SChmitt]，“汉语学界”右翼知识分子最为心仪的“四尔”)叫嚣着大地、鲜血、战争、种族的非理性主义思潮，与纳粹意识形态之间没有一点关联，那也委实太天真了! 　　 上世纪60年代，基本上由尼采与海德格尔培育出来的法国后结构主义思潮，漂洋过海去到美国后，在美国获得了更为露骨的后现代主义动机。正当美国陷于越战的泥潭而遭致自由民主价值的最大的合法性危机之时，由德里达打头，所谓的“耶鲁四人帮”为后盾的美国后现代主义思潮迅速地在全球漫延开来。其中最著名者，叫保罗·德·曼。此人极其聪明，文笔流畅，思路清晰。其基本观点是，一切文本都是作者袒露与隐瞒的运作，记忆与遗忘的策略。一切阅读都是误读。而写作与阅读则构成作者与读者之间一种揭露与掩盖、设访与投射的游戏。80年代末，从他年轻时期的某些档案材料中，人们发现了他原来是纳粹时期一个积极的反犹主义者。于是，美国大学特别是英文系里那些天真的解构主义信奉者们，突然惊讶地意识到了某个事实：解构主义与罪恶意识的压抑(遗忘)之间的不经意流露的关联。 　　　　90年代初，美国的“索卡尔事件”使后现代主义的最后一点美丽幻象也破灭了。索卡尔是一位美国物理学家，他花费了差不多整整两年的时间，处心积虑地炮制了一篇题为《超越界线：走向量子引力的超形式的解释学》[Transgressing the Boundaries．"Toward a Transformative Hermeneutics of Quantum Gravity]的诈文，其中充满了常识性科学错误同时却充斥了后现代主义者最喜爱的奇思妙想与时髦术语，并把它投给了美国最著名的后现代主义刊物之一《社会文本》[SocialContext](中国社会科学院的座上宾詹明信[F．Jameson]是该刊的主编之一)，结果是，此文被登了出来。尽管这一事件的深远意义远未为人们充分意识到，但是，人们普遍认为，此举表明了后现代主义者的学术水准已经下降到了何种荒唐的地步。 　　 可以并不夸张地说，上述三个事件事实上已经宣告了哲学、文学艺术与社会文化三个层次上的后现代主义思潮的破产。“事件”之所以为“事件”，乃是因为人们在其中倾注了大量热情，因而卷入了无数文献。围绕着这些事件，人们能够组织起纷纭的思绪，从而给予一个时代的精神状况以实体表现的形式。而这个时代精神状况则是：人们对于后现代主义应当被理解为20世纪下半叶西方社会的一种病理症状对一点已经获得了清楚的自我意识。后现代主义以其智性上的反理性主义、道德上的犬儒主义与感性上的快乐主义，即便在最为流行的时候，也没有逃脱西方有识之士的尖锐批判。本书多次提及的哈贝马斯就是这样一位思想家。而另外一些学者，则将后现代主义看成西方高度现代主义[high modernism]的一个反题。现在，走向终点的反题已经失去了昔日的锋芒，一种新的综合开始到来。那就是“后现代之后”：魏尔默与霍内特之坚持现代主义与后现代主义的辩证观，当作如是解。然而，本书作者宁愿坚持一种拓展了内涵的现代主义立场，并认为哈贝马斯的“未完成的现代性”，或贝格尔的“后前卫艺术”的提法更为可取。因为，如果说现代主义是西方现代艺术的正题，那么，贝格尔所说的旨在摧毁现代主义自主原则的“历史前卫艺术”[historicalavant－garde，指达达主义、早期超现实主义与苏俄前卫艺术]才是现代主义的反题。而后现代主义，某种意义上只是欧洲历史前卫艺术(以杜桑[Duchamp]为代表)的延续，某种意义上则是欧洲历史前卫艺术的一个搞笑的美国版(以沃霍尔为代表，参本书所述胡伊森精彩的分析)。因此，导源于对现代性的敏感意识的现代主义，其潜力远未穷尽，而它在遭遇历史前卫艺术与后现代主义的挑战后，反而显出了更顽强的生命力。这就是本书结论中所说的“无边的现代主义”的基本意思。 　　　　然而，正当后现代主义在它的原发地已经走向终结的时候，它在中国却获得了始料未及的繁衍契机。与某些论者不同，本书作者并没有简单地将中国式后现代主义归结为学术界与艺术界鹦鹉学舌的结果(所谓“话语的平移”)。后现代主义在中国的传播有着深层次的历史原因，也有着更为具体可感的现实动机。后现代主义的反基础主义、反总体性、反主体性、强调动态过程胜于静态结构，与中国前现代性思维是如此合拍，以至于人们稍加思索就不难从后现代主义当中辨别出中国保守主义者的弦外之音。而它所宣扬的后现代主义视觉美学：非线性几何、不对称、反崇高、散点透视乃至中国园林式“后现代空间”……也与中国前现代性美学如出一辙。不是偶然的是，西方鼓吹后现代主义建筑最起劲的查尔斯·詹克斯先生的太太就是一位研究中国园林的专家。而欧美某些后现代主义“建筑大师”到中国来兜了一圈后欣快地大叫“后现代建筑在中国”，也就不难理解。于是，贫困时代的灾难性混乱、粗野的地方性崇拜与不加克制的复活主义立刻被宣布为后现代性的前卫性。而近年所谓“经济起飞年代”的那些拙劣的伪现代建筑与陈词滥调的现代主义当然不加区分地被宣布为“现代主义的垃圾”。 　　 后现代主义在中国落脚的时候，正是80年代尚未分化的中国知识分子群体的“新启蒙”遭到重创的时候。这赋予了后现代主义在中国的传播以干载难逢的大好机会。由90年代初的北京大学出版的《走向后现代主义》开路，北大与中国社科院一路高歌走向“后现代主义”的文化出版事业大游行：《后现代主义文化研究》、《后现代主义文化与美学》、《后殖民文化批评》，直到蔚为大观的“知识分子图书馆”(似乎只有后现代主义分子才配称得上“知识分子”的称号)。显然，除了迎合文化保守主义的心态，后现代主义太切合新左派的胃口了。在中国的文化保守主义者与新左派眼里，难道还有比批判形而上学的恐怖主义、理性社会的大监狱、西方中心主义的险恶用心、自由民主的乌托邦、全球化的谎言，宣扬身份与差异、文化与价值相对主义的后现代主义更好的东西吗? 　　　　与保守主义者忽然从后现代主义中找到了中国前现代性的新的合法性一样，中国的后现代主义者则从西方后现代主义“没有底盘的游戏”(德里达)、“一切皆可”(邓托)、“快乐的虚无主义”(奥利瓦)以及“正经不起来”(苏姗·桑塔格[Susan Sontag])那里，发明了“政治波普”、“泼皮现实主义”、“新文人画”、“玩得就是心跳”、“一点正经没有”，以及各式各样假冒的观念艺术。但是，与保守主义的危险不同，中国式后现代主义的危险并不在于它成了与当下感性全然无关的形式玩物与装饰，而是走到了另一个极端；即不顾一切形式法则与视觉质量的纯粹的观念。西方“历史前卫艺术”的合理因素在于：他们的反形式[anti－form]与反艺术[anti－art]是建立在西方现代艺术史特别是经典现代主义的高度形式主义的正题之上的。这样，前卫艺术的反题才拥有了一定的合法性。而中国式后现代主义在没有任何语境的前提下，一下子走到了反形式的前卫艺术，因此它除了孤零零的个别事件之外，不可能产生真正的文化政治[cultural politics]效应。不仅如此，它的真正危险在于，它以貌似激进的观念掩盖了这样一个基本事实：即中国现代性的先天不健全；并以这种思想的短路形式扼杀了中国当代艺术的现代性诉求。 　　　 在本书即将完成之际，我读到了英国著名批评理论家伊格尔顿的如下一段话：“今天在北京大学设有一个后现代研究的机构，中国在进口减肥可乐的同时一起进口德里达。一种需要深入探讨的时间扭曲。殖民主义的进程有助于在好坏两方面剥夺第三世界社会的发达的现代性，现在这个进程让位于新殖民主义的进程，由于这个新的进程，那些部分地是前现代性的结构被吸入了西方后现代性的旋涡。这样，没有继承一种成熟的现代性的岳现代性日益戒为它们的命运，好像落伍造成了一种形式的早熟。一个进一步的矛盾是，在古老与先锋的痛苦张力中，在文化的领域里，再造了一种现代主义艺术的某些经典条件。”(伊格尔顿：《后现代主义的幻象》，第139页)中国是否已经具备了现代主义艺术的经典条件，本书暂且不论。这里能说的是，从意识到我们的参照系的情形——西方现代主义事业的未竟使命及其后现代主义的幻觉——的那一刻起，这种条件就已经在形成之中了。因为，意识的照亮之处，正是救赎的开始之时。本书作者并不自命为这一救赎的努力当中的一部分。我只能满足于在四处弥漫着的文化保守主义与后现代主义大雾中保持清醒的尝试，并且坚信，正如文化保守主义一后现代主义同盟曾经欢呼雀跃地宣布中国可以并且应当绕过现代性直接跃入岳现代性是一场白日梦一样，那种认为后现代主义乃是中国艺术的命运的说法也只不过是一纸谎言。曾几何时，人们是那么醉心于中国可以避开工业化、城市化与社会化的现代性命题直奔信息化、乡土化与社群化的“后工业社会”的美梦，然而，一个越来越被认可的事实却是：中国一向试图绕过去的工业化进程、市场法则、理性化管理、程序合理性、法治原则，乃至于统治的正当性基础，却原来是绕不过去的现代性的硬核!而我们在走向社会的现代化与文化的现代性过程中所遭遇的种种挫折，无不可以追溯到这样一个事实：即我们没有从思想意识到行为习惯上真正确立主体性——黑格尔认为的现代性的本质——的基础地位。回顾中国式后现代主义狂热对“主体性”的嘲笑与“解构”，难道还不让人感到啼笑皆非吗!事实上，文化的中断与意义的失落(我们在处理传统与现代性问题上的曲折与反复)、社会的未分化和并非建立在真正的个体主体性基础之上的社会的虚假团结，以及个性的匮乏，解释了以下社会现实：由于我们在处理传统与现代性的关系问题上的笨拙，以至于“创新”需要被当作一种政治口号由政府来加以提倡；由于我们并没有真正确立起一种自我选择、自我负责的现代性的自律道德的基础，以至于“诚信”居然成为一个“拥有五千年文化的文明礼仪之邦”在遭遇现代市场法则与新型人际关系时的最大问题；由于强大的儒家传统与20世纪极左派集体主义意识形态对个体主义的压抑，以至于“个性”的不健全始终成为中国各种社会现象最有解释力的终极原因：由于缺乏个性，整个社会才循环地陷于各种“群众运动”之中；由于没有个性，整个社会才经常承受着未分化(在某种意义上就是没有多元的价值体系及其相应的多元的生活方式)所带来的巨大压力。以至于，人们可以说，一个庞大的无边无际的来分化社会的海洋(特鄹是农村)，为顽固的文亿保守主义提供了源源不断的社会资源；雨一个尚来形成自我意识中心、自我价值定位与自我道德承担的“无中心的”[non－centered]个人。恰恰成了“去中心的”[de－centered]、啕醉迷狂的、“一切皆可的”和不负责任的后现代主义的最佳温床。 　　 本书出版之际，我感到更加有必要感谢徐岱、高力克、毛丹、孙周兴、刘翔诸位先生，他们把我从结束学生生涯不久后的那种心智懈怠与无所事事中挽救了出来。回顾近十年的学术道路，我所取得的每一次转机都与他们在浙大玉泉校区所营造的智性氛围有关。对老浙大的怀念已成为一种珍贵的人生体验。没有一种氛围，一个人什么也干不来。因为你不可能在毫无氛围的情况下凝聚起纷乱的思绪。 　　 在本书的写作过程中，我还有幸前往剑桥大学从事为期一年的访学研究。在此要特别感谢剑桥大学艺术史系主任Dr．Binsky，他的热情好客使我得以自由地使用他们丰富完备的系图书馆和幻灯资料室。而Dr．Alice Mahon的现代艺术史专家与三一学院Fellow的双重身份，不仅给予了我直接的专业指导，而且还让我领略了最古老学院的日常生活气氛。我在剑桥的东道主哲学系则使我第一次感受到了“剑桥名士”们的风采。Dr．Raymond Geuss令人惊叹的慷慨博达与逸情雅致，常常令人如沐春风、豁然开朗。他的个人背景(出身于美国、长期就学与就勃于德国)及其德国思想史的学术背景，让我在一个视哲学基本为数理逻辑的剑桥环境中找到了“知音”。本书的最后体例就是在与他的无数次讨论之后才确定下来的。 　　其后去欧陆的游历虽然短暂，但至少部分地实现了我从少年时代就开始编织的梦想。艺术在这里　　见证了天地人神四方际会、供奉与馈增的游戏(巴台农神庙)，见证了古典时代的英雄精神(万神殿)，见证了中古时期神明与圣明的在场(“欧洲大教堂”)，也见证了文艺复兴时期人性与神性的卓越平衡。置身于欧洲就是徜徉于艺术。置身于欧洲意味着要回答如下问题：艺术之为美的形式如何与艺术之为真理的在场以及艺术之为道德的进盼相互关联?[How an art as the beau tiful form is related to an art as the present of truth and the stageto morality?]置身于欧洲还意味要回答这样的问题：一种伟大的文明如何屹立于地表，以及在这种伟大的文明中，艺术能够扮演何种伟大的角色?欧洲是真理的声音战胜虚无主义的历史本身，是道德的力量战胜犬儒主义的历史本身，是艺术的激情战胜猥琐无聊的历史本身。而这一历史本身又是如此直观地凝固在欧洲的城市建筑、广场、雕塑以及各大博物馆中!我在欧洲的经历使我懂得，一种伟大的艺术如何可能，以及一种伟大的文明最终怎样结晶于伟大的艺术之中!这一信念已经深深地沉淀于本书的血脉中了。 　　 在我感到有必要感谢的人当中，范景中先生的位置绝对位于前列。我深受其思想影响的人当中至少有两人(波普尔与贡布里希)与他的出色工作有关。因此，当范先生询问我可否将此书交给中国美院出版社出版时，我毫不犹豫地答应了。 　　 对写书的人来说，没有比遇到一位好编辑更幸运的事了。周书田女士热情而又高度负责的态度使本书得以最快的速度与读者见面。她不厌其烦地编选与调整大量插图，也使本书严肃的理论面孔变得可忍受了。 　　 最后，但不是最不重要的，我要感谢一直陪伴我左右的两位女士。她们对我的爱怜与纵容是我生活中的永恒慰藉。刚到欧洲时的单身生活使我更加刻骨铭心地感受到了她们在我生命中的位置。她俩的到来使我的生活得以恢复，并着手此书的写作，因此，把它献给她们，理所当然。　　

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简介： 所属分类：艺术 > 摄影 > 技法教程 > 书中详细地讲述一张成功的人像或人体艺术照片的产生过程，从摄影设备的选择、寻找创意、选择模特，到拍摄时如何摆姿势和运用表情，再到设置相机、布光、取景，最后如何通过photoshop以及相关插件进行后期处理。 　可以说，这就是一本关于人体摄影的“教科书”，但却没有教科书样的呆板、教条。凯迈克尔？库恩莱恩和哈拉尔德？海姆两位作者语言幽默，轻松自然，让我们在学习的过程中不至于感觉乏味；虽然没有散文一样的优美语句，华丽辞藻，但却浅显易懂，让人一看就能了解关于人像和人体摄影方面的很多知识，适合大众阅读。 　这里你不仅可以学习一些用通俗易懂的语言描述的理论知识，还可以欣赏到多位摄影名家近200张人像和人体照片。另外，本书还包含30张以图式和摄影形式表现的布光图，相信对你一定有帮助。 前 言 1 人像和人体摄影的魅力 　人像摄影 　人体摄影 　摄影师与模特 　摄影工作室或户外拍摄 　是否用photoshop？ 2 设 备 　相机和镜头 　raw还是jpeg？ 　硬件和软件 　日 光 　室内照明，还是泛光灯？ 　便携式闪光灯还是影室闪光灯？ 　使用影室闪光灯 3 灵感与实现 　设计好的，还是源于本能？ 　寻找灵感 　人像摄影风格 　人体摄影风格 　拍摄地点：户外和室内 　把自己的客厅用作摄影工作室 　专业摄影工作室 　配饰、道具和背景 4 模 特 　从事模特职业的熟人和朋友 　在网上找模特 　业余模特和专业模特 　合同与酬金 　tfp 　商业照片 　化妆和风格 　自己化妆，还是请化妆师？ 　到哪里找化妆师？ 　选择数码化妆 　拍摄前的准备工作 　给模特一些指示，还是？ 　与模特沟通，给出指示 　必要时即兴发挥 5 姿势和表情 　没有姿势目录 　复制还是创作？ 　纠正姿势 　面部表情 　工作方法 　帮助摆姿势 　与两位模特合作 　自然动作代替固定的姿势 　没有特殊的办法 6 光 线 　挑战日光 　影室里的光造型 　光线的方向 　布 光 　光的变化 　彩色滤光片和挡光板 　识别布光情况 　摄影初学者要避免的错误 9 实践-站在巨人的肩膀上 　摄影师史蒂芬格塞尔工作的一天 　马丁克罗洛普和马克格斯特的 　户外摄影 　汤姆利德的室内摄影 7 相机设置 　持续光 　混合光 　手动设置 　影室闪光灯的光 　使用测光表测量光圈值 　没有测光表 　景深和对焦 8 画面构思 　取 景 　透 视 　黑白还是彩色？ 　选择照片 　摄影初学者要避免的错误 10 数码后期处理对照片很重要 　留住眼前的现实 　流行趋势和理想的美 　我们美吗？ 　是否需要数码图像后期处理？ 11 photoshop技术 　使用camera raw打开jpeg格式 　照片 　白平衡调整方法 　使用camera raw调整白平衡 　使用photoshop快速处理 　渐变数码光效 　图层和蒙版 　模拟柔光屏或闪光灯 　通过暗角强调主题 　先进的暗角技术 　暗角作为图层蒙版 12 后期处理 　使用修复画笔进行细节修饰 　去掉色斑和微暗影 　修饰皮肤 　修饰皮肤结构 　使用光和影塑造 　细节处理 　肤色和亮度 　塑 身 13 photoshop和插件的处理效果 　从彩色到黑白 　使用调整图层处理黑白图像 　使用cs4的“黑白”功能 　给单色图片着色 　抓人眼球的colorkey 　使用photoshop和插件处理高调 　照片 　使用胶片颗粒作为修饰手段 　油画和素描效果 　使用插件做特效 14 蒙太奇与合成 　脸部和姿势的蒙太奇效果 　前景合成 　举例说明复杂合成 　背景合成的六个要点 　简单的背景蒙太奇 　插入地面背景图像 　合成过程的结构图 　通过灰度蒙版释放 　结束语 15 图片展示 　在网站社区展示照片 　为自己的照片建一个网站 　打印照片 　画布上的照片 　画 册 　在展会上展示照片 　如何用照片赚钱？ 　正确看待批评 附 录 《解密：人像&魅态摄影》（附cd光盘1张）是一本讲述人像或人体摄影，从灵感和创意的来源到准备工作、拍摄过程的技术技法到后期提升照片的表现力相结合的指导性图书。 　 书中语言简练、幽默，轻松自然，浅显易懂，教你一步步再现人像、人体艺术杰作的创作过程：器材-创意-模特-美姿-用光布景-取景构-后期等。 　 《解密：人像&魅态摄影》（附cd光盘1张）免费赠cd光盘，光盘中有70余张精彩的人像、人体艺术大片以及后期处理相关插件。 　 无论专业人像或人体摄影师还是业余人像或人体摄影爱好者，本书都将成为非常实用、非常宝贵的参考。 凯迈克尔·库恩莱恩，他将街头摄影、建筑艺术及模特与各种主题相结合。到目前为止，他撰写了20多本关于图像后期处理和摄影方面的图书。哈拉尔德·海姆他10年来主要从事photoshop插件研发工作。2005年进入模特和舞蹈摄影领域，之后又开始使用photoshop进行美容修饰工作。

How to grow as a graphic designer

作者：  (美)凯瑟琳·费舍尔(Catharine Fishel)著;黄文丽，文学武译

出版社：上海人民美术出版社,2006

简介：本书主要是对40多位顶尖的设计师的深入访谈，揭示了他们在生活和事业中是怎样保持目标明确，有创意，以及如何获得快乐的。《如何成为设计大师》中全部是真实的生活轶事和建议，并且对以下话题进行了讨论： 是什么使设计师作为艺术创造者和一个普通人显得与众不同； 成功的意义； 是什么在精神上支撑着设计师； 怎样拥抱变化和从容应付困难； 自白创建公司； 制定职业目标； 寻找个人生活和事业的平衡点； 设计师怎样定义生活的质量； 本书是一位重要设计作家所写，为各种公司、各种性格类型以及经验不一的设计师提供理论和实践的指导。

Packaging makeovers:graphic redesign for market change

作者：  (美)斯黛茜·金·高登(Stacey King Gordon)编著;胡心怡，朱琪颖译

出版社：上海人民美术出版社,2006

简介：　　《包装再设计：适应市场变化的平面再设计》简单介绍了33个案例。设计师们成功调整了原有包装的不足之处，并进行了有效的更新。无论是预算紧张的小公司，还是有着百年历史的国际企业，这些客户在这一点上是相同的：他们都需要向世界展示新的形象，并在稳步向前发展和提升自身地位之间保持完美的平衡。包装设计是多元的，它有一部分是科学，也有一部分是直觉，它也是对消费者心理的一种掌握和熟知。但真正的成功属于具有“魔力”的设计——一种神秘的方程式——它能够激发、诱导并最终促进销售。《包装再设计：适应市场变化的平面再设计》收入了大量产品包装再设计的经典案例，从食品到化妆品到玩具，涉猎广泛。 　　●《包装再设计：适应市场变化的平面再设计》用照片全程跟踪了包装重新设计的全过程：改造前、再设计过程中以及最终的包装新形象。 　　●《包装再设计：适应市场变化的平面再设计》包括了包装再设计的色彩计划、草图、字体处理等各方面的信息，并着重通过图解的形式来说明优秀的设计师是如何实现设计概念的。 　　无论一家公司成立了多少年，历史或长或短，再设计对于具有大量分支的商业经营都是不可避免的，而且费用也比较高。虽然再设计成为了如此普遍的现象，但是我们依然不能轻视和忽略它。《包装再设计：适应市场变化的平面再设计》对包装再设计进行了解析，为企业经营管理者和设计师们提供了大量至关重要的信息。他们中前者在再设计过程里扮演了决策者的角色，而后者则是再设计的执行者。设计巧妙的包装可以对社会受众产生巨大的影响。消费者会有选择地购买适合自己消费水平的产品，而他们最初的判断就是通过对产品包装的印象和理解来决定的：勤俭持家的消费者会更多的被外表看上去并不昂贵的包装吸引，而高层次消费者如果要选购高档化妆品的话，他们会选择包装精美而华丽的产品。 　　设计师需要使用很多策略和手段来吸引消费者的注意力，所以在当今竞争激烈的市场上要获得成功，理解不同的市场需要怎样的设计是至关重要的。《包装再设计：适应市场变化的平面再设计》向读者介绍了多种包装设计的方法，这样设计师和商业经营者都可以从中找到适合自己的产品和目标市场的策略。

数码摄影风光实拍手册

作者：  一白编著

出版社：科学出版社,2011

简介：　　 本书是为广大数码摄影爱好者编写的风光照案例型实用技法书，为普 　　通读者提供拍摄出专业 　　级风光照片的“达人秘笈”。书中详尽介绍了多种经典风光照的拍摄技巧 　　，讲解了如何结合所拍 　　摄的风光，对相机的光圈大小、曝光时间和白平衡等参数进行设置，并综 　　合介绍了用光、构图和 　　后期处理的技巧，最终达到使画面完美的效果。秉承实用至上的对号入座 　　式指导模式，引领读者 　　一步步掌握风光拍摄的技巧。 　　 全书共分12章及一个附录，以详细的参数图表、丰富的实拍照片，形 　　象、直观地引导读者从 　　风光摄影的基本概念入手，系统学习和掌握多种场合下使用数码相机进行 　　拍摄的方法和技巧。书 　　中包含了风光照片拍摄的器材与准备工作，焦距、光圈与快门的设置，光 　　线与色彩的运用，常用 　　构图手法，以及独特的构图形式等内容；又对拍摄日出日落、水景雨景、 　　冰雪云雾、山脉原野、 　　花卉树木、夜景、城市、园林和人文等不同类型的风光进行了专题介绍； 　　此外还特别给出技巧提 　　炼，告诉读者如何解决风光拍摄中常见的问题。 　　 本书适合希望充分享受风光摄影乐趣的广大摄影爱好者、摄影发烧友 　　阅读，同时也适合相关 　　培训班作为教材使用。 　　

中国美术简史

作者：  周伟主编

出版社：清华大学出版社,2008

简介：《高等学校教材?国家级精品课程:中国美术简史》共分9章，除引论部分概说和提挈全书外，其余部分以时间为序对中国美术史的发展足迹进行了追溯。考虑到美术发展中的不平衡状况和教学的需要，《高等学校教材?国家级精品课程:中国美术简史》在各章中没有平均着力对美术的各门类（绘画、建筑、雕塑、书法和工艺美术）进行描述，而是在对各时期的美术发展进行总体把握的基础上，侧重对最能体现那个时代美术成就的方面加以介绍。教材没有过多的理论阐述，而是把美的历史呈现在读者眼前，力图使读者在美的愉悦和享受中获得中国美术史的知识。 《高等学校教材?国家级精品课程:中国美术简史》既可作为高等职业教育艺术类各专业教材，也可作为本科高等院校素质教育与艺术教育的教材使用。

Freelance design hanbook

作者：  凯茜·菲谢尔编著;刘晓东译

出版社：江西美术出版社,2010

简介：　　《自由职业设计师工作手册》对那些希望成为一个长期而成功的自由设计师来说，是一本实用性很强并附有插图的案头参考工具书。内容涉及自由职业生活的方方面面，包含7全面打理业务的最佳做法和战略技巧，《自由职业设计师工作手册》具体包括以下内容： 　　·成为自由设计师所需的基本技能和特性； 　　·有效而富有创意的自我推销方法： 　　·关于财务会计和法律事务的建议（包括如伺定价、管理现金流、拟制合同、保护您的版权等问题）： 　　·提高工作效率以及对实现工作和生活起平衡作用的秘诀： 　　·如何促进个人发展并保持设计师的职业灵感： 　　书中还包括了很多案例研究和成功的自由设计师的作品。以及这些 　　自由设计师提供从事自由职业的宝贵建议。

构图基础教程

作者：  刘振武编著

出版社：中国传媒大学出版社,2007

简介：本书主要是由构图基础教程为主，其内容有： 第一章　构图的前奏 　一、构图前的思考——构思 　二、构图 　三、认识空间 　四、构图应注意的几个问题 　五、造型的几种手段 第二章　构图的基本原则 　一、构图中的变化和统一 　二、构图中的多样性 　三、构图中的对比 　四、构图中的节奏和韵律 　五、构图平衡 　六、构图中的斜线 　七、构图中的曲线 　八、构图中的景中之境——梦幻 　九、构图中的轻转——回眸 第三章　构图的基本形式 　一、水平式构图 　二、垂直式构图 　三、水平与垂直的组合构图 　四、三角形构图 　五、中空运动形构图 　六、倒三角形构图 　七、水平三角形构图 　八、重叠三角形构图 　九、封闭的空间构图 .....等等

动人的摄影作品:完美的构图秘诀:[图集]

作者：  ( )[R.希克斯]Roger Hicks编著;庄胜雄译

出版社：湖南科学技术出版社,1999

简介：　　 　　本书介绍了拍摄动人作品的技巧和诀窍。主要内容包括改善构图、主体摆放、选择焦点、透镜与角度、画面处理、寻找平衡、创造景深、轮廓与形状、呈现质感、色彩运用、模糊与移摄、动感的捕捉等等，每一部分都有数幅摄影作品由专家进行深入浅出地分析讲解，让读者通过对学习，尽快掌握。全铜版纸深圳彩印，包括300余幅精美摄影作品。 　　

动漫色彩构成

作者：  陈伟，张瑞琴主编

出版社：清华大学出版社,2007

简介：第1章 动漫色彩构成概述 　1.1 构成的基本知识 　　1.1.1 构成的起源 　　1.1.2 构成的含义与目的 　　1.1.3 构成的分类 　1.2 色彩构成的含义与目的 　1.3 动漫色彩构成的含义与目的 　思考与练习 第2章 动漫色彩构成理论基础 　2.1 色彩的生理与物理理论 　　2.1.1 色彩产生的生理因素 　　2.1.2 色彩产生的物理学原理 　　2.1.3 色彩的三原色、三问色和复色 　　2.1.4 色彩的混合 　2.2 动漫色彩的源泉与实践 　　2.2.1 动漫色彩的源泉 　　2.2.2 动漫色彩理论与实践的关系 　2.3 动漫色彩的基本属性 　　2.3.1 有彩色和无彩色 　　2.3.2 色彩三要素 　　2.3.3 色相、明度、纯度三者之间的关系 　2.4 色立体 　　2.4.1 色立体的含义与目的 　　2.4.2 孟塞尔色立体 　　2.4.3 奥斯特瓦德色立体 　思考与练习 第3章 动漫色彩与心理感受 　3.1 动漫色彩的视知觉感受 　　3.1.1 色彩的适应性 　　3.1.2 色彩的稳定性 　　3.1.3 动漫色彩的易见度 　　3.1.4 动漫色彩的醒目色 　　3.1.5 动漫色彩的前进与后退感 　　3.1.6 动漫色彩的膨胀与收缩感 　　3.1.7 动漫色彩的错视性 　3.2 动漫色彩的情感 　　3.2.1 动漫色彩的冷、暖感 　　3.2.2 动漫色彩的兴奋与沉静感 　　3.2.3 动漫色彩的轻重感 　　3.2.4 动漫色彩的华丽与朴素感 　　3.2.5 动漫色彩的积极与消极感 　　3.2.6 动漫色彩的软、硬感 　　3.2.7 动漫色彩的强、弱感 　　3.2.8 动漫色彩的活泼与忧郁感 　3.3 动漫色彩的联想 　　3.3.1 色彩与具象、抽象联想 　　3.3.2 色彩与味觉、嗅觉联想 　　3.3.3 色彩与形状联想 　　3.3.4 色彩与音乐联想 　3.4 动漫色彩的性格与象征 　3.5 动漫色彩的肌理与心理感受 　3.6 动漫色彩的时间构成——动画构成 　　3.6.1 动漫色彩在动画构成中的视觉平衡与心理感受 　　3.6.2 动漫色彩色调情感在动画构成中的应用 　思考与练习 第4章 动漫色彩对比原理 　4.1 动漫色彩对比的概念 　　4.1.1 色彩对比的含义 　　4.1.2 动漫色彩对比的含义 　4.2 动漫色彩对比构成原理 　　4.2.1 同时对比 　　4.2.2 连续对比 　　4.2.3 综合对比 　4.3 动漫色彩的对比形式 　　4.3.1 以色相对比为主的动画色彩构成形式 　　4.3.2 以明度对比为主的动画色彩构成形式 　　4.3.3 以纯度对比为主的动画色彩构成形式 　　4.3.4 以冷暖对比为主的动画色彩构成形式 　　4.3.5 以面积对比为主的动画色彩构成形式 　4.4 动漫色彩对比的时间构成——动画构成 　　4.4.1 动漫色彩对比在动画构成中的作用与感受 　　4.4.2 动漫色彩对比在动画构成中的应用 　思考与练习 第5章 动漫色彩调和原理 　5.1 动漫色彩调和的含义 　　5.1.1 色彩调和的含义 　　5.1.2 动漫色彩调和的含义 　5.2 动漫色彩调和的形式 　　5.2.1 动漫色彩的同一调和法 　　5.2.2 动漫色彩的类似调和法 　　5.2.3 动漫色彩的秩序调和法 　　5.2.4 动漫色彩的面积调和法 　　5.2.5 动漫色彩的冷暖调和法 　5.3 动漫色彩调和的时间构成——动画构成 　　5.3.1 动漫色彩调和在动画构成中的作用与感受 　　5.3.2 动漫色彩调和在动画构成中的应用 　思考与练习 附表一 色彩在不同国家和地区的象征和寓意表 附表二 各国对颜色的偏爱和禁忌 参考文献

Basics of color design

作者：  赵国志，孙明编著

出版社：高等教育出版社,2007

简介： 本书是内容较为全面的色彩设计基础教材，通过对色彩理论的学习及训练课题的安排，使学生掌握如何构成色调及色彩设计的形式美原理；通过色彩对比、调和的学习，使学生掌握色彩的明度、色相、纯度、冷暧、面积及同一、类似、秩序等对比、调和的规律；通过互补色的搭配练习，使学生掌握色彩的调和与视觉生理平衡的方法；通过对色彩功能作用的学习，使学生能更为合理、科学地驾驭色彩；通过对色彩文化的分析，使学生将色彩应用深植于中华文化的沃土{通过对数码色彩的介绍，使学生在数宁化社会具备完整的色彩知识，提高数字化能力。 本书通过以上理论的学习及设计训练，整合色彩理论、色彩的表示法、色彩构成理论、色彩对比与调和、色彩文化、数码色彩等知识点，提高学生对色彩的观察能力、审美能力、想象能力及构成能力，使之思路广阔，为以后在设计及绘画方面的应用打下坚实的色彩基础，达到在色彩理论上能理解透彻，在实践上能随心所欲地根据目的性的需要应用色彩，使理性与感性、理论与实践有机结合，融会贯通。更多>>

Pictorial album of Chinese music and dance

作者：  林琳主编

出版社：江苏人民出版社,2009

简介：　　艺术是人类在漫长的发展道路上不可或缺的元素，她陪同人类从幼年到成人，从蒙昧到文明。不同的社会文化环境，不同的时间流程，都会或多或少地在艺术中留下不可磨灭的痕迹。 　　 悠悠岁月，涓涓细流，“乐舞”是中国古代传统艺术的重要组成部分，它是一种综合艺术形态，蕴含着华夏民族的深层意识，是中华民族全体人民的智慧和心灵的结晶。我国地大物博，多民族、多样的生态环境和文化传统，以及不平衡的历史进程，为我国乐舞文化渲染出一幅与众不同、色彩斑斓的画卷。 　　 这门古老的艺术在它诞生之初，是“诗”、“乐”、“舞”浑然一体，不可分的。古人认为：“诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。情动于中，而形于言，言之不足，故嗟叹之，嗟叹之不足，故咏歌之，咏歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也。”所以，我们称之为诗、音乐、舞蹈，这三个元素在古代是三位一体的。是在经历了相当长一段历史进程之后，才逐步独立分解形成单独的门类艺术。 　　 中华乐舞内容繁多，异彩纷呈，不同民族、不同地域都各具不同的性格和色彩。中华乐舞艺术在原始社会中度过了萌芽、形成期，大致在“青铜时代”趋于成熟，然后在封建社会中进一步发展，从汉至唐，并在唐代达到了最鼎盛时期，自宋以后，随着乐舞的变化而进入转型期。但也不难发现，中华乐舞是一个整体，有着共通的神韵和风貌，且不说民族之间、地域之间的频繁交流，相互融汇，就是娱人和自娱、市井与宫廷、宗教和世俗……都不乏呈现出你中有我、我有你的形式和内容。 　　 本书将中华乐舞分为宗教乐舞、宴享乐舞、百戏乐舞、四夷乐舞四个部分，并且笔者本着对敦煌艺术的痴迷，较为粗浅地形成了第五编敦煌乐舞的部分。这些都是中华乐舞文化传统的重要组成部分。 　　 灿烂的中华乐舞文化，源远流长。从诞生源头的点点滴滴，时疾时缓，终于汇成了无际汪洋。在她漫长的历程中，有潺潺清流，也有急流回旋，但它始终奔腾不息，纵横恣肆于神州大地上，奔向前方，奔向未来。 　　 现在，让我们一起走进中华乐舞的殿堂，将我华夏民族之粉彩尽收眼底吧！

Graphic design

作者：  王志俊主编;袁洪，张宝青，汪俊编著

出版社：中国青年出版社,2010

简介：本书由具有丰富艺术设计专业教学经验的教师编写，包括图形的基础理论及相关知识、建立了一个有效合理的视知觉基础、体验历史文化遗迹，亲近传统，感悟其视觉审美及精神内涵、图形的视觉元素与形式语汇、从不同设计角度，探讨表达设计的多种可能性，使设计呈现全新面貌、提高学生的视觉沟通能力和审美素养，能够根据不同主题借助不同媒介，设计出新颖独特的图形等知识内容。本书遵循高等院校艺术设计专业教材编写规范进行编写，注重知识的系统性与简约性的平衡，强调理论为设计实训服务，同时强调图书体例多样，教学实例、设计点评方便教师教学，习作练习便于学生借鉴学习。

Best of photographic lighting:techniques and images for digital photographers

作者：  (美)Bill Hurter著;施于人，林苹译

出版社：人民邮电出版社,2008

简介：　　 通过介绍光的特征及在各种环境下控制光线的具体技术，本书将教授 　　摄影师如何利用光线，阐述影响摄影作品的最重要因素。书中将讨论用光 　　的原理，包括曝光、色彩平衡，以及摄影师用以实现每一个摄影项目所必 　　须掌握的测光方法。各章具体分析了影棚摄影、肖像特点，以及如何使用 　　影室闪光灯表现室内和室外光线细节，为拍摄肖像设置伦勃朗光照表，在 　　窗口摄入的漫射光或直射阳光下拍照等。书中精选来自30多位婚纱、人像 　　和商业摄影师的作品，提供了切实可行的建议和技巧，帮助摄影师借有限 　　光线发挥无限的想象。 　　　　无论你是初学摄影的爱好者，还是从事摄影创作的职业摄影师，都能 　　从本书中汲取到丰富而宝贵的摄影知识。 　　

动画制片基础教程

作者：  丁海祥编著

出版社：清华大学出版社,2010

简介：　　 本书详述了动画制片过程和动画制片人应该具备的能力和素养，并通过 　　典型实例解析制片过程中用人、处事的基本常识和方法。本书共分6章，第1 　　章主要讲解动画的常识和基本理论；第2章介绍制片人在动画创作前期所起 　　到的作用和应该完成的主要工作；第3章主要对动画制作的中期流程进行详 　　细分析；第4章了解制片后期所需要进行的工作；第5章讲解制片人在动画制 　　作过程中的平衡作用和需进行的规划；第6章介绍了各种动画尤其是商业动 　　画的类型和现状。 　　 本书适合作为高等院校动画专业的教材，也可作为动画爱好者的自学用 　　书。 　　

旅游摄影完全指南

作者：  (韩)刘浩钟著;李红姬，李明吉译

出版社：人民邮电出版社,2011

简介：　　 《旅游摄影完全指南》是一本旅游摄影的完全指南，主要分为出发前 　　的准备、旅游摄影基础和主题摄影技法三大部分。不仅对整理行囊、选择 　　器材、安排日程、查询出游信息等准备工作进行讲解，还有针对性地介绍 　　了旅游摄影相关的基础知识，如构图、视角、焦距、曝光、色温，白平衡 　　等、并精选旅游摄影中的风光、人像及各种纪念照主题进行深度讲解，作 　　者还在书中分享了很多旅游摄影相关的实用技巧。 　　 《旅游摄影完全指南》适合不同层次的摄影爱好者，特别是热衷于旅 　　游及风光摄影的读者阅读。本书由韩国刘浩钟编著。 　　

Animation principles

作者：  黄兴芳编著

出版社：上海人民美术出版社,2011

简介：《21世纪全国高等院校动画设计专业精品教材：动画原理Animation Principles》主要内容：我相信大部分人在孩提时代，一定都有快速晃动手上的烟火、观察前头光点在夜空中划出一道光弧的经验，有时会刻意改变它的路径感受产生不同效果的惊奇吧！成年后有时也会为不经意划过黑夜的流星而心中一动。在人类茹毛饮血的年代里，就已经有了让岩壁上的画动起来的欲望了。人类对于光影和动作的痴迷，一直到了19世纪末电影的诞生后，才得以真正地变成现实。 时至今日因电脑网络的普及，以图示来代表并传达信息的方法已是普遍的生活方式。新的一代习惯以图案、色彩、快速的块面思考来取代过去以文字传播知识的逐行逐列的思考模式。动画这种综合绘画、科技、人文、艺术、音乐、创意和工业生产的媒体，无疑是现代除了电影、舞台、出版物以外的重要视觉艺术。 在传统的卡通动画制作中，一直仰赖大量的人力，以纸和笔耗费大量的材料和时间，通过繁复的生产制程来达成。近些年因为电脑科技的曰新月异，改变了这个生产模式。使用科技已不是趋势，而足现在进行式。在电脑加入制作过程的初期，使用电脑技术似乎将忽略传统技术在动画制作上的地位，但在电脑逐渐普及之后，基？的艺术修为和人文素养，却成为决定优劣的关键。 市场行销和科技的使用攸关成败，创意和多元文化的展现却将引领未来的走向。 在科技发展和影像制作方式经历如此剧烈变化的同时，我们只针对传统制作过程进行讨论，立足点似乎居于劣势，笔者认为动画艺术的制作，需要一群有着相同创作精神的团队，经由智慧和想象力，利用科技辅助，再由经验丰富的脑和手来完成而非仅仅制造工、产品。从事者必须具备扎实的基本功和人文素养，才能真正使动画成为一门艺术。 以往动画片常给人一种只为儿童服务的印象，现在已经大不相同了，它的内容和影响已经涵盖了各个层面，而生产的模式也自成…体，制作方式更趋近电影，也运用了各种特效、影像处理、分镜结构和音乐素材，特别是分镜剪辑的电影化，更使动画片的电影感十足。因此从事动画制作者就必须对于电影的语言有一点基本的认识，《21世纪全国高等院校动画设计专业精品教材：动画原理Animation Principles》在第一章略有介绍。第二章的基础绘画训练只提供学习者能快速掌握以便于使用的一些建议，从事动画工作者本应具备一定的绘画基础，且因动画生产是一个集体的工作，与纯艺术的创作不尽相同，制作的过程有一定的时效性，参与者必须掌握快速有效并具备一定可操作性的方法，寻找一个质与量的平衡点，方能适应工作需求。 从第三章开始至第六章是《21世纪全国高等院校动画设计专业精品教材：动画原理Animation Principles》动画设计的主要内容，是笔者从事动画工作多年的一些体会，将之提供出来，给动画初学者与爱好者一些参考。动画工作在动画制作过程中，属于较基础的工作，工作内容较为琐碎，《21世纪全国高等院校动画设计专业精品教材：动画原理Animation Principles》整理了一些比较常用、规律性较高的基本动画技巧，以期初学者能容易入门，并且期望能举一反三，灵活运用。但动画的表现方式千变万化，与时俱进，使用者不可拘泥。现在所有被认为合理或正确的概念，也是通过不停地推翻过去的理论所得？的，未来也将在实际技巧、理论分析和美学概念的反复推敲中深入发展成形。 《21世纪全国高等院校动画设计专业精品教材：动画原理Animation Principles》最后一章加入生产工作前的准备，使从事者能全面地面对未来的工作需要。 动画的技巧有限，人的追求却是无限的。如前所提，动画艺术是一个集体合作的工作，有其阶段性的分工，动画设计的工作受限于整体工作的分工内容， 自我发挥的空间有限，有固定的生产模式和特定的工作要求，但只有扎实的基本训练，不断白我要求，才有利于未来掌握较大的资源和创作的能力。

图案设计与教学

作者：  张刚编著

出版社：湖南美术出版社,2009

简介：《图案设计与教学》讲述了序 第一章 关于图案设计 第一节 图案的概述 第二节 图案分类 第三节 图案设计的绘制工具与材料 第二章 图案设计的形式美 第一节 图案的和谐美 第二节 图案的平衡美 第三节 图案的秩序美 第四节 图案的节律美 第五节 图案的数理美 第三章 图案设计的构成形式 第一节 单独图案 第二节 连续性图案 第三节 装饰性综合图案 第四章 图案设计的方法 第一节 图案设计素材的收集 第二节 图案设计变化的方法 第五章 图案设计的表现形式与技法 第一节 图案的黑白表现 第二节 图案的色彩表现 第三节 图案表现的技法 第六章 学生作品赏析 参考文献 后记 艺术设计是一门新兴的交叉性、综合性学科，其专业方向逐渐涵盖了人们生活基本要素和文化需求的各个层面。该书打破了过去传统图案教学的守旧模式，力求思想独特、表现技法新颖，强调装饰性图案的设计教学新思路，主要分六个章节系统地阐述了图案设计概念、图案设计的形式美、图案设计的构成形式、图案设计的方法、图案设计的表现形式与技法等内容，注重用图片来说话，让读者能够深入浅出地了解和掌握图案设计。