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作者: 周辉荣编著
简介:沃尔夫冈·阿玛台乌斯·莫扎特,是维也纳古典乐派的代表人物。1756年1月27日生于萨尔茨堡一位宫廷乐师的家庭,1791年12月5日卒于维也纳。莫扎特三岁起显露音乐才能,四岁跟随父亲学习钢琴,五岁作曲,六岁又随父亲学小提琴,八岁创作了一批奏鸣曲和交响曲,十一岁写了第一首歌剧。他仅仅活了三十六岁。繁重的创作、演出和贫困的生活损害了他的健康,使他过早地离开人世,他的音乐作品成为世界音乐宝库的珍贵遗产。 1762年,六岁的莫扎特在父亲的带领下到慕尼黑、维也纳、普雷斯堡作了一次尝试性的巡回演出,获得成功。1763年6月-1773年3月,他们先后到德国、法国、英国、荷兰、意大利等国作为期十年的旅行演出,获得成功。这些旅行演出对莫扎特的艺术发展产生了积极影响。他有机会接触到欧洲当时最先进的音乐艺术--意大利歌剧、法国歌剧、德国的器乐,这使他以后能成为他那个时代在创作上风格最广泛的一位作曲家。 自1774年起,他的创作开始进入成熟时期。1777年在他又一次旅行演出时,在和社会各阶层广泛的接触中,特别是与曼亥姆市民艺术家们平等而融洽的交往中,莫扎特得到了远非传统观念所能给予他的启示和激励。这不仅是艺术鉴赏力的提高,而首先是对不合理的封建制度的深切体会。他愈加认识到,一个人的价值不是由出身而是由才能与道德所决定。这时已经成人的莫扎特,对自己的奴仆地位感到不满。为了争取人身与创作自由,1781年,他彻底地同雇佣他的大主教决裂,毅然辞职。成为奥地利历史上第一个有勇气和决心反抗宫廷和教会、维护个人尊严的自由作曲家。同年,他到了维也纳,并写出了著名的歌剧《后宫诱逃》。 1782年7月首演,获得成功。1782年,在没有征得父亲同意的情况下他同一位曼亥姆音乐家的女儿康坦丝·韦伯结了婚。此间,莫扎特和当时正在维也纳的海顿结下了深厚的友谊,他向海顿学习四重奏和交响曲的创作经验。自从他走上自由作曲家道路到他逝世的十年间,是莫扎特一生最重要的创作时期。这期间的作品,无论是歌剧还是交响曲,都展现出新的风貌。这些作品反映了处于上升阶段的资产阶级所具有的坚定、乐观的阶级意识,表现了维也纳进步知识分子典型的思想感情。然而,作为第一个力图挣脱束缚、维护自己尊严的艺术家,他在享受“自由”乐趣的同时,也对“自由”的艰辛有了更实际的体验。莫扎特在音乐里开始体现他的悲伤、愤懑、甚至抗议,同时仍然对美好的未来抱着天真、诚挚的向往,一打开美丽的外壳,就迸射出如火的激情。 音乐史书上称莫扎特为稀世之才,他英年早逝,却留下了那么丰富的作品。他的创作几乎涉及了音乐的所有领域,但他最重要的成就当推歌剧。他继承格鲁克歌剧改革的理想,而且更进了一步。与格鲁克不同的是,莫扎特主张“诗必服从音乐”。他的歌剧具有强烈的音乐感染力,旋律非常优美、流畅自然而深情,宣叙调也富于歌唱性。不同类型的音乐,将各种人物形象、性格塑造得鲜明而生动。重唱形式,被莫扎特作为安排戏剧性冲突和高潮的重要手段。序曲简练、个性化,在音乐的性质上与全剧有了更多的内在联系。这些重要的探索,使莫扎特在德国歌剧艺术的开拓史上立下了不朽业绩。其中以《费加罗的婚礼》、《唐璜》和《魔笛》最为杰出。 交响乐也是莫扎特创作中的重要部分。他最有代表性的交响曲是他最后的三部,即降E大调、g小调和C大调交响曲。其中《降E大调第三十九交响曲》明朗愉快、充满诗意;《g小调第四十交响曲》富有戏剧性,有海顿式的乐观主义情绪,但在技法上又完全不同于海顿,被称为莫扎特的“英雄”交响曲;《C大调第四十一交响曲》(通常被称为《朱彼特》)宏伟豪迈、东观向上,预示了贝多芬的英雄性的交响曲的出现。莫扎特的交响曲(尤其是最后三首),是贝多芬之前的全部交响曲创作的最高成就。他的突出贡献在于各乐章之间的主题之间的对比性。 莫扎特一生中最后的两年是经济最困难的时期,他曾说道:“我的舌头已经尝到了死的滋味,我的创作还是乐观的。”1791年12月5日这位伟大而优雅的天才在维也纳的贫民窟里离开了这个让他多灾多难的世界。 当时妻子正患重病,家里没有一个零用钱,三十五岁的莫扎特就被埋葬在穷人的无名公墓里,没有一个亲属给他送葬,荒草隐蔽,雨露冲洗,让今天无数对他崇敬的后人欲祭无处。他为未能完成《安魂曲》而抱憾终生,但如今全世界都在赞美他的天才,他的灵魂真正可以安息了。 总的来说,莫扎特的创作成就遍及各个领域。它们反映了十八世纪末,处在被压迫地位的德奥知识分子摆脱封建专制主义的羁绊,对美好社会和光明、正义、人的尊严的追求。他的音乐风格具有诚挚、细腻、通俗、优雅、轻灵、流丽的特征,大都充满了乐观主义的情绪,反映了上升时期的德奥资产阶级向上的精神状态,在维也纳后期的创作中,也出现了悲剧性、戏剧性的风格,对社会矛盾的反映更趋深刻。
作者: 黎贯宇,李小燕,李刚编著
出版社:人民邮电出版社,2012
简介: 动漫角色的成功创造能够给人们留下深刻的印象,也能让整部动漫作品生龙活虎,所以好的动漫角色对于一个动漫作品有着至关重要的作用。 《超级动漫完全自学教程——角色设定专题》以“角色设定”为专题,首先对动漫角色进行概述,然后讲解动漫男性角色、女性角色、Q版角色、幻想角色、机械角色、动物角色的绘制方法和要点,最后讲解动漫角色的色彩表现,使读者学习完整的角色设定方法。作者将绘画原理、绘制要点及丰富的绘画经验结合起来,从最基本的结构比例到最后的上色修饰,将角色设定的各种表现技法完美地呈现在读者眼前。 《超级动漫完全自学教程——角色设定专题》内容由浅入深,循序渐进,图文并茂,讲解清晰,不但为漫画爱好者提供了一个学习平台,更为他们留有广阔的创作空间,激发他们在漫画创作上的潜能。本书不仅适合初、中级动漫爱好者作为自学用书,也适合相关动漫专业作为培训教材或教学参考用书。
Mixing audio: concepts, practices and tools
光盘出版社:人民邮电出版社,2010
简介: 混音的质量可以决定一个录音作品的成败。对于不够出名的艺术家和家庭录音人员来说,混音制作是让他们的录音作品出彩的最基本的催化剂;对于专业录音师而言,出众的混音技巧可以让他们节省大量的金钱,并满足高端制作的需求。为了提升混音技巧,你需要具备有关混音的艺术和技术两方面的能力。 《混音指南》作者Roey Izhaki从20世纪90年代早期开始混音工作。他在欧洲的各种学校和展览上做过关于混音的讲座。目前,他在位于伦敦的SAE学院的音频工程部门工作。 《混音指南》提供给你所必需的、能够用于实际操作的混音知识,从而帮助你提高混音水平。书中的内容从基本的概念延伸到高级的技术,还包括大量的小技巧和小窍门。 Roey Izhaki告诉你混音观念的重要性,教给你如何完成混音工作并评估你的混音作品,并且使你的混音质量更上一个台阶。他介绍了混音中用到的各种理论和设备,以及将这些知识用于实践的方法,还通过4个混音实例告诉你如何将这些知识统一在一起用于创作。 《混音指南》带有大量的照片、图示、图表和音频样本,是一本任何想要在混音领域取得成功的人士不可缺少的书籍。同时,本书附带一张DVD光盘,其中包含超过2000个音频样本和4个混音样本。
出版社:京华出版社,2010
简介: 《动画影片分析》是高校动画专业学生的必修课。《动画影片分析》从学习和借鉴的目的出发,从影片概述、剧情简介、背景资料、影片分析、视听特点、重点段落视听方案分析六大要素入手,精心甄选的13部美国经典动画影片,均为美国动画电影的翘首之作,更是美国动画多元特点的代表,包括以中国元素创作的“变”与“不变”的《功夫熊猫》;穿越海洋情感历险的《海底总动员》;勇于探索新动画风格的《埃及王子》;开创动画新时代的《玩具总动员》;美国定格动画另类黑色经典的《圣诞夜惊魂》;美国动画中的中国女英雄《花木兰》;颠覆超越经典的《怪物史莱克》;冰川时代的温情戏剧《冰河世纪》;艺术与技术结合的最佳典范《小鸡-陕跑》;二维传统动画的巅峰之作《狮子王》;怪物世界的新创意《怪物公司》;世界电影动画的开始《白雪公主和七个小矮人》;动画版的E.T.外星人《铁巨人》。 《动画影片分析》以边讲、边看、边学的全新教学模式,以全新的视觉效果,力求通过对这些影片的剧作、剧情矛盾冲突、人物塑造、叙事手法、动画设定、CG技术、动画色彩、音乐风格、视觉追求、重点段落镜头画面、视听方案分析、景别风格、拍摄方式、剪辑手法、音响及音效,以及市场营销、衍生产品的开发等不同视角横向和纵向进行科学理性的分析和讲解,为读者勾勒出一个多元化的、丰富多彩的美国动画电影创作的整体线索、发展历程的宏伟画卷。深入解读和分析这些影片的成败与得失,必将大大激发动画专业学生和专业创作人员学习和了解这批真实而成功的世界优秀动画范本的创作规律、创作方法和技巧,提高创作艺术素质,启迪智慧,开阔视野,为日后的专业动画创作勇于创新和提高国际竞争能力大有益处。 独家配套的《影片分析实训》分为三个部分,第一部分为简答题,归纳的50个典型动画影评问题,是本教材核心知识的浓缩,开辟进阶专业从业者、影评人之路;第二部分为论述题,提供每部电影之后的27个思考题,培养学生独立思考总结、借鉴学习的能力;第三部分为观摩练习题,针对13部影片的其他50个重点段落进行观摩,旨在培养学生动手拉片、阐述段落视听特点的能力,充分掌握经典影片的创作风格及规律。附赠光盘中含有l3部影片重点段落视听分析的课件。
作者: 耿捷编著
简介: 弗郎茨?舒伯特(Franz Peter Schubert,1979-1828)是19世纪德微波浪漫乐派最伟大的作曲家之一。他出生在维也纳一个贫穷的小学校长家庭,父亲就是他的第一位老师。小舒伯特很早就显露出音乐天赋,他11岁被教堂唱诗班录取为童声歌手,16岁为学校的管弦乐队写了《第一交响曲》,17岁写出第一部歌剧《魔鬼的欢乐宫》,就在这一年为歌德的诗《纺车旁的格丽卿》谱曲,成为他的第一首杰作,甚至朋友认为这首歌是德国艺术歌曲的开端。这首歌为舒伯特打开了创作灵感的闸门,第二年一年中,他就写了144首歌曲,10月的一天里就写了8首,除歌曲之外,还有1部交响曲、2部弥撒曲等其他作品。舒伯特一生共写了600多首歌,其旋律创造之丰富无人堪与媲美,被后人誉为“歌曲之王”。 舒伯特(Schubert.franz.peter,1797-1828),有艺术歌曲之王的美称,其歌曲(六百多首)和钢琴作品一道,体现着浪漫主义的音乐风格,是浪漫主义音乐先驱之一。而其交响乐与室内乐则为古典乐派风格,继承了古典主义音乐传统。所以说舒伯特的音乐风格具有古典主义音乐与浪漫主义音乐的双重性,是一个跨越两个音乐时代的人物。舒伯特的歌曲有意识地要把和声及器乐伴奏等纯音乐因素提高到与诗和旋律同等重要的地位,其旋律是十分完整的个体,透过诗中的意境反射出纯粹的音乐意境,不拘成规,富于独创性。古典派歌曲中,音乐与诗歌不时融合在一起的例子虽不少见,而忠实地将诗歌的内容和气氛音乐化的作品却在浪漫派歌曲中占了大多数。舒伯特的器乐作品,力求古典式的明晰性,成功地掌握了交响乐的组织结构,各个乐章之间缺少紧密联系,没有统一的主导思想。
作者: 万江著
出版社:四川美术出版社,2009
简介: 《影视动画分镜设计》是一门理论与实践相结合的重要的专业基础课程。本书作者引用的理论大多经过前人的论证并在创作实践中取得了成功的经验。本教材旨在把这些理论加以汇编整合,结合课程教学的目标和类型的需要,用深入浅出的文字使其易于理解:科学系统化的结构,贴近影视动画分镜设计的一般规律,缩短自我探索研究和学习的进程;图文并茂,穿插国内外经典动画影片的分镜设计案例分析,以适合影视动画分镜设计初学者阅读与思考。
作者: 李晓育编著
简介: 在灵魂的奋争中,《英雄交响曲》、《热情奏鸣曲》成功地迸发而出,任何人只要对此能够大致地了解,他给人最为深刻的印象,就不是千军万马,不是音乐的奔涌、冲锋的人流,而是驾临天籁的灵魂,那帝王般的理性。他常能在尘嚣中陷入沉思,对外物全然不知,并从中感到极大的快乐和喜悦。沉思渐渐成为贝多芬的精神港湾,在沉思中,他用自己的激情托捧着一个个鲜明而富有个性的精神,创造出一首首不朽的音乐。 贝多芬(1770—1827)出生于波恩,自幼学习弹琴,1787年曾到维也纳向海顿学习作曲,并结识莫扎特。贝多芬生活在法国大革命、拿破仑战争和维也纳体系的时代,欧洲的民主和民族意识此时正日益兴起。他的作品正反映了这些时代的特征,或歌颂英雄,或反对封建,争取民主自由和美好未来。其主要作品有《悲怆》奏鸣曲、《月光》奏鸣曲、《命运交响曲》(即第五交响曲)、《合唱交响曲》(即第九交响曲)等。贝多芬的晚年十分凄凉,在贫病交加中死去。但是,人民忘不了他,1827年3月29日,贝多芬的葬礼举行时,有二千多人参加护灵。贝多芬对音乐的最重要贡献是交响曲,因此他被誉为“交响乐之王”。
作者: 凤凰动漫编著
出版社:电子工业出版社,2011
简介: 表情在漫画创作中有着举足轻重的地位,表情是否到位将决定一部漫 画能否成功。《超级漫画视频大讲堂(表情篇)》内容包括脸形和五官的画 法、头发与多角度脸部的画法、不同年龄人物表情、不同性格男生的表情 、不同性格女生的表情、各种脸部表情的表现、肢体动作中的表情、身体 动作中的表情、双人互动中的表情、Q版的表情、表情的范例等几个部分。 为了让读者掌握最真实的绘制方法和过程,在本书附带的光盘中,包含了 大量的真人视频绘画演示的内容,可以让读者学习到完整的漫画绘制过程 ,让整个学习过程变得更加轻松容易。 《超级漫画视频大讲堂(表情篇)》内容丰富,讲解、图示完整真实, 技法简洁实用,非常适合动漫爱好者学习,也适合相关动漫培训班作为教 材使用。
作者: 凤凰动漫编著
出版社:电子工业出版社,2011
简介: 《超级漫画视频大讲堂――造型篇》主要讲解漫画中各种各类角色的 设定和绘制方法,好的造型设计可以决定一部作品能否成功。本书内容包 括头部的造型范例、五官的造型、脸部的造型、头发的造型、头身比与人 物造型、肌肉的造型、四肢的造型、力与美的造型、儿童的造型、年轻人 的造型、成年人的造型、不同环境中的造型、视角与造型、绘制人物插画 的范例等几个部分。为了让读者掌握到最真实的绘制方法和过程,在本书 附带的光盘中,包含了大量的真人视频绘画演示的内容,可以让读者学习 到完整的漫画绘制过程,让整个学习过程变的更加轻松容易。 《超级漫画视频大讲堂――造型篇》内容丰富,讲解系统,图示完整 真实,技法简洁实用,非常适合动漫爱好者学习,也适合相关动漫培训班 作为教材使用。
作者: 漫唐堂编著
出版社:电子工业出版社,2011
简介: 这是一本漫画图片素材工具书,融汇了知名漫画创作机构上海漫唐堂 文化传播有限公司(www.tangtang.com.cn)多年从事原创漫画的优秀成功 作品图片。本书收录了不同类型和特色的角色造型、丰富的道具、精美的 场景以及时尚美图近千幅,无论从风格还是图片内容上都更加适合中国动 漫市场,在参考性和实用性上更具针对性和专业性,为专业漫画创作人员 及广大动漫爱好者提供了用于动漫制作商业领域的形象创意借鉴、画稿制 作、颜色参考学习等。
作者: 罗宾著
出版社:农村读物出版社,2006
简介: 我以前读书的时候,迷上了扑克牌魔术,常常玩到忘了吃饭。早上起床的时候,床边都可以捡到一堆牌。原来是头天晚上练牌,练到睡着了,手自然松掉,牌滑到床下,回想当时对扑克牌魔术的热爱,至今仍回味无穷。 扑克牌魔术,真的很棒:它容易携带,而且只要有一个小空间,就可以练习;它耐用,一副好牌,玩上个把月没有问题;它非常普及,任何家庭都可以找出几副,大家对它再熟悉不过;它的难易度很宽,从简单魔术到专业晋级的手法都有,要入门不难…… 书里面的30种魔术,是我多年来所学到的扑克牌魔术精华。有些是恩师们所传授的,有些是从朋友那边用别招魔术换来的,有些是看电视上播放的国外魔术节目里面破解来的,有一些花钱买的,更有一些是到国外参加魔术大会,与同行切磋时偷学来的。 读完这本书后你会发现,要成功地表演扑克牌魔术,首先靠技巧,如果这个魔术不需要技巧,那就要靠演技。如果你的技巧不好,演技又差,可以自我督促,多加练习。如果年余之后仍然没有改善,那我会给你一个建议—— 这个世界上还有比扑克牌魔术更有趣的嗜好! 当你看完这本书,想要在扑克牌魔术领域更上层楼,建议买我的扑克牌技法dvd,它是针对扑克牌魔术爱好者所拍的,里面的手法和应用程序,够你忙上一年半载的。 相较于浩瀚的扑克牌魔术海,书中这30种只能算是沧海一粟。也许再过不久,我会再写第二本!
作者: 冯文,孙立军编著
出版社:海洋出版社,2007
简介: 本书是动画专业的基础课程教材,是每一位动画专业的学生首次“认 识”动画的途径,由6章和2个附录构成。 本书以教学大纲为基础,结合数年教学经验,将课堂上学生常提问的 内容加强重点分析与解释,编写思路从三个方面出发:1.动画是什么:介 绍动画的定义、动画的本质与特点,并重点介绍世界动画史上重要的里程 碑。2.动画有什么:通过不同的分类方法,进入五彩缤纷的动画世界,加 强对动画形式的认知,并从历史发展、文化背景的角度介绍世界各国多元 化的动画风格与流派。3.动画做什么:介绍动画制作流程、团队职责与分 工、制作工序,以及各环节需要注意的事项。附录1是本书各章的测试题, 附录2是动画常用专用术语中英文对照表。 本书为即讲、即看、即学的全新教学模式,内容非常丰富、由浅入深 、通俗易懂、语言简洁流畅,配以大量珍贵的画面,配套光盘中有14类经 典动画样片片段,活脱脱勾勒出一幅世界动画发展历程的宏伟画卷,使读 者情不自禁地对动画先辈们怀有崇高的敬意,大大激发学习和了解动画的 兴趣和热情。书中分析和借鉴各国成功的动画经验和失败的教训,对启迪 智慧、大胆创新大有益处。
Art Criticism in the 20th Century
作者: 沈语冰著
出版社:中国美术学院出版社,2003
简介: 理论界流行着这样的见解:20世纪乃“批评的世纪”。单从一波接一波风起云涌的批评理论[critical theories]而言,这种说法似乎并不夸张。从上世纪初的英美新批评、俄国形式主义、精神分析学派,到上世纪中叶的结构主义、新结构主义、女权主义、新马克思主义,再到世纪末的新历史主义与后殖民文化批评,批评理论在20世纪的人文学科中确乎风光无限。即就视觉艺术批评来说,与上个世纪潮流迭起的艺术运动一样,艺术批评同样充满了精彩纷呈的景观:阿波利奈尔[Apollinaire]、罗杰·弗莱[Roger Fry]、本雅明[Walter Benjamin]、赫伯特·里德[Herbe rt Read]、克莱门特·格林伯格[ClemenlGreenberg]、阿尔法雷德·巴尔[Alfred Barr]、哈罗德·罗森伯格[Harold Rosenberg]、约翰·伯格[John Berger]、波普艺术批评家群体、查尔斯·詹克斯[Charles Jencks]、奥利瓦EOliwa]、阿瑟·邓托[Arthur Danto]、汉斯·贝尔廷[Hans Belting]、罗莎琳·克劳斯[Rosalind Krauss]、彼得·贝格尔[Peter Burger]、加布利克[Suzi Gablik]、胡伊森[Huyssen]、T.J.克拉克[T.J.Clark]、麦克尔·弗莱德[Michael Fried]、西尔盖·吉博[Serge Guibaut]、唐纳德·库斯比特[Danald Kusbit]、希尔顿·克莱默[Hilton Kramer]、斯蒂芬·莫拉夫斯基[Stefan Morawski]以及,或许是上世纪最伟大的批评家泰奥多·阿多诺[Theodor Adorno]。 然而,这些批评家及其理论在中国的命运却大不相同。当国内支学批评界对上世纪的各种文学批评理论如数家珍的时候,上述艺术批评家当中的许多人在国内艺术批评界甚至闻所未闻。艺术史向来被认为是本国史学中最弱的学科之一,而艺术批评理论的匮乏无疑加剧了它的不堪。上世纪最著名的艺术批评史家文丘利[Venturi]曾经断言:一切艺术史都是批评史,因为艺术史中对作品的描述、解释与评价无不涉及艺术批评,或者不妨说就是批评的任务。20世纪下半叶对西方艺术史的不满程度,可以从欧美各国质疑艺术史的方法论基础的出版物的持续升温这一事实中见出。可以这样说,批评理论的迅速发展已经改变了艺才史的方向。相应地,它的缺失也就成了国内艺术史学科的重灾区。 批评家作为现代艺术潮流的孵化者、报导者、仲裁者甚至制造者,早已被公认为当代艺术动力机制中的关键。试想一下这些批评家在催化与帮助人们理解那些艺术运动中的角色:弗莱之于后印象派、阿波利奈尔之于立体派、格林伯格之于抽象表现主义。也许,我们可以援引美国艺术批评家库斯比特的观点作为我们对艺术批评的一般性质的初步认知。他认为,艺术批评家的角色经常是悖谬的。因为当艺术品还很新鲜和怪异时,他就率先,常常是最鲜活地做出反应,并且初步向我们解释它的意义。然而,他的反应又常常不很全面,因为这样的艺术品还没有被广泛地体验过:作品尚未有一个历史,一个据此可以解释“文本”的语境。当批评家将艺术品当作一个当下产品来遭遇时,它还缺乏历史“负载”。事实上,批评家的部分工作就是要在历史的法庭上赢得胜诉。这就是为什么,正如波德莱尔所说,批评家经常是一个对艺术品“充满激情和党派性的观察家”,而不是对其价值做出无翻害的判断的裁判员的原因。正因为它的当代性,他扮演着鼓动家的角色,只能从作品本身的角度来处理整个案子。对敏感的批评家来说,作品始终让他感到惊异,而他则始终对它保持热度。他会让未来的历史家们去处理诸如解剖艺术品——到那时,它通常已被假定有一个公认的意义一一之类的事情。 然而,批评家当下的观点常常成为有关该作品的本质特征的基本评价。批评家的反应,如果说不是所有未来解释的范型,至少是所有未来解释的条件。他的关注是作品进入历史的门票。现代批评家权力的标志,就是他对新艺术的命名。比如,路易斯·沃塞尔[LouisVauxcelles]的标签“野兽派”和“立体派”就曾大大地影响了人们对这些风格的理解。通过命名,这些艺术品对未来的人们来说就被赋予了某种本质特征。而且,只不过以“符号圈地运动”[Semioticenclave]——借用乌贝托·埃科[Unberto Eco]的术语一一作为开端的理解,成了话语构型的一整套语言,并且开创了各种观点的全部氛围。说白了,其责任是重大的。格林伯格有一回曾写道,批判性地趋近艺术品的最佳时机是当它的新颖性已经逝去而它自身却尚未成为历史之时。然而,正是在这一时刻,艺术品的阐释最是未曾得到解决,最是易受攻击的时候;也是在这样的时刻,批评家以即席命名的形式所作的当机立断,能够一劳永逸地封存它的命运。因此,正如奥斯卡·王尔德[Oscar Wilde]在《作为艺术家的批评家》[Critics as Artists]当中所说的那样,批评对艺术至关重要;批评把握、保存、培育、提升艺术。 由于对批评的效验估计不足,也由于对欧美上百年的现代艺术批评缺乏起码的参照,国内艺术批评多少尚处于黑暗中摸索阶段。最近10年来,虽有不少西方当代艺术材料被介绍进来,但是,令人遗憾的是,甚至介绍者本人对这些材料也不甚了了(国内乱轰轰的后现代主义理论研究即是明证),或者以一种绕口令般的伶牙利齿在美术界捣浆糊,使本来严肃的学术工作往往成为一场混仗。于是,甚至出现了——据说流行于美术学院——“西方艺术没有什么,他们要等到塞尚以后才有文人画”之类的荒谬绝伦的观点。如果说本书有什么主题的话,那么其中之一肯定是对这种观点的批评。正当我们奋力抵抗所谓的“西方中心主义”的时候,曾几何时,中国中心主义早已偷偷地从后门溜回来了。事实上,它又何曾从我们泱泱大国五千年文明的“中国”血液中离开过?将艺术界(包括艺术教育界)观念的混淆单纯地归结为缺乏真正意义上的艺术批评(因为批评的原义之一就是“辨析”,亦即使观念尽可能清晰地得到表达),可能失之简单。但是,对西方艺术批评的漠视与无知,已经让我们的学生吃足了苦头。 后果之一便是今日中国艺术走向了两个——至少在我看来——毫无希望的极端。在一极,艺术成了一种单纯的笔墨游戏与自娱自乐,一群与当下感性毫不相关的文人雅玩或匠人的玩意见。这类所谓的画家像龟缩在洞穴中的爬行类动物,固执而有耐心地蛰伏在他们的弹丸之地,他们坚固的硬壳足以抵挡任何来自外界的风雨的骚扰,社会的转型、生活的演化、感受性的变迁、审美观念的变化,在他们看来都是毫无意义的东西,或者干脆是不存在的。其理论依据据说来自丹尼尔·贝尔[Daniel Bell]的文化矛盾学说,一种认为在经济一技术、政治一社会与审美一文化之间有着不同步的结构的观点。问题在于,在贝尔那里只是一种“事实”[fact]的描述(还是相互“矛盾”的事实),到了中国的文化保守主义者那里却成了一种可以遵照无误的“规范”[norm]。另一种理论据说是波普尔[Karl Popper]的“问题情境”,学说与贡布里希[E.Gombrich]的“图式理论”,一利认为艺术史的风格是艺术家在一定的情境中解决艺术问题的结果的思想。在这儿,波普尔的多样性的“问题情境”被许多人还原为单纯的“形式问题”,而在贡布里希那里是如此丰富而多层次的“趣味逻辑”则被简化为纯粹的“程式与匹配”的“形式课题”(好像贡布里希从来没有关心过趣味的变化似的)。 文化保守主义者的另一个理由据说来自“对20世纪中国艺术史逻辑的观照”。在他们的观照中,20世纪的所谓“三大艺术思潮”,即主张水墨画西化的徐悲鸿与主张中西融合的林风眠都或多或少地失败了,唯独主张“拉开中西绘画距离、各自迈向各自高峰”的潘天寿取得了伟大的成功,并与吴昌硕、黄宾虹、齐白石一道,成为20世纪中国艺术史上最伟岸的大师。本书作者无意否定上述诸人的成就,对诸大师之间(包括徐、林在内)的排队问题也丝毫不感兴趣。我想指出的只是这样一个从未或很少处在人们反思范围中的事实:即20世纪30至40年代的中国现代艺术(特别是在上海)是如何在上世纪中叶的政治运动与保守主义分子的群起而攻之之下渐渐消亡的。所谓“三大思潮”,不管是西化派、融合派还是距离派,在我看来,只是文化保守主义阵营内部的争吵。而20世纪中国艺术史真正的三大思潮中,只有文化保守主义获得了空前成功,来自苏联的社会主义现实主义”过去在国内就没有得到过心悦诚服的承认,如今则早已成为新左派批评家反刍的草料,而现代主义的罂粟却像昙花一样烟消云散。但是,它顽固的毒素在被压抑了整整30年以后,终于在80年代中期悄悄绽放。 第二个极端——在我看来是一个更阴险也是更恶毒的极端——就是在90年代以后以发烧似的热度迅速传播的流行性病毒:后现代主义。正如在欧美,后现代主义是无法挑战现存资本主义的情况下左派激进冲动的一种替代性选择(特别参见法国少壮派理论家费里与雷诺[LucFerry and Alain Renaut]对后现代老大师们的反击之作《60年代的法国哲学》[French Philosophy of the Sixties],以及伊格尔顿[Eagleton]的《后现代主义的幻象》[The Illusions of Postmodernism]),中国式后现代主义的盛行也是80年代末中国激进知识分子新启蒙运动受挫的结果,从此,后现代主义立刻成为文化保守主义与新左派的最佳救命稻草,并加速了文化保守主义与新左派在反对现代主义这一点上的同盟,再次完成了对80年代中国现代主义的扼杀(情形与40年代末有着惊人的相似)。 后现代主义是兴起于西方60年代,在70年代达到猖獗的哲学、社会文化与艺术思潮。80年代初,主要由于哈贝马斯[Habermas]的分水岭之作《现代性:一项未完成的方案》[Modernity:An UnfinishedProject]的宣读,西方思想界开始了对后现代主义的强大的批判运动。80与90年代西方人文学科与社会科学的一个主题,可以被归结为现代主义/后现代主义之争。这在思想界表现在伽达默尔/德里达[Gadamer/Derrida]之争、哈贝马斯/福柯[Habermas/Foucault]之争这样的大师级理论交锋中,表现在法国新生代思想家费里与雷诺等对前此20年中拉康[Lacon]、福柯、德里达、布尔迪厄[Bourdieu]、博德利亚尔[Baudrillard]、德勒兹[Deleuxe]与利奥塔[Lyotard]的压倒性后现代思潮的直接对抗上,体现在德国中生代思想家魏尔默[A.Wellmer]、霍内特[A.Honneth]与法兰克[M.Frank]对法国思想的全面挑战中。在批评界体现在希尔顿·克莱默对后现代主义“庸人的报复”(参同名批评文集The Revenge of the Philistines)所作的反击上,体现在哈贝马斯与魏尔默对詹克斯的“后现代主义建筑理论”所作的驳正上,也体现在艺术批评界持久的“沃霍尔[wlarh01]还是博伊斯[Beuys]”的争论中。在艺术运动中,它不仅体现在德国“新表现主义”对美国波普艺术的宣战中,体现在98-99年美国现代艺术博物馆所举办的波洛克EPollock]大型回顾展中(并比较80年代批评波洛克及其高度现代主义的著名论文集《波洛克之后》[Pollocck andAfte门,以及99年出版的“批判之批判”论文集《波洛克:新的取向》[Pollock:New Approaches]),还体现在人们对晚期德朗[Derain]、巴尔蒂斯[Balthus]与莫兰迪[Morandi]的具象绘画的那种持久高涨的热情中。 90年代以来,几个特殊的案例事实上已经宣判了作为一种持续的哲学、思想文化与艺术思潮的后现代主义的死亡,尽管它的某些假设还将产生持久的影响。这也是拙著《透支的想象:现代性哲学引论》(学林出版社2003年版)的结论之一。在这些案例中,“海德格尔[Heidegger]事件”、“保罗·德·曼[Paul de Man]事件”与“索卡尔[Sokal]事件”具备足够的典型性。据说海德格尔是20世纪最具原创性的思想家,只有维特根斯坦EWittgenstein]一人堪与媲美。但是,海氏将希腊的存在本体论、中世纪的神学本体论与现代的逻辑本体论,一视同仁地概念化为“存在一神一逻辑学”[Onto-Theo-Logik]是一种典型的削平论。相应地,他将苏格拉底以后的整个西方历史一律视为“远离神的黑暗”,并于20世纪来到“黑夜之夜将达夜半”的最黑暗时期,也是对西方历史的过分简化的图解(显然是尼采的反启蒙思想“人类历史不是一部进步史,而是一部退化史”的翻版)。由于海德格尔戴上了这样一副哲学墨镜,他就不可能对20世纪现实中的色彩与层次做出区分,从而将国家社会主义、极权主义与自由民主制一律视为“现代性的产物”。在他看来,德国纳粹主义、苏联共产主义与美国自由主义,统统都是“同一回事”。这在某种程度上解释了他在德国纳粹运动中以及在其后的“非纳粹化”运动中的所作所为。“海德格尔事件”的复杂之处固然不容许人们在一个思想家的思想与他的在世行动中做简单的彼此类推,亦即,说海德格尔的思想直接导致了他的纳粹行为,或者说海德格尔一度的行为证明了他的思想是纳粹主义的,这都是不明智的。但是,如果说海德格尔的思想,再宽泛一点讲,德国20-30年代右翼知识分子(海德格尔、容格尔[Ernst Junger]、舍勒尔[Max Scheler]、卡尔·施米特[Karl SChmitt],“汉语学界”右翼知识分子最为心仪的“四尔”)叫嚣着大地、鲜血、战争、种族的非理性主义思潮,与纳粹意识形态之间没有一点关联,那也委实太天真了! 上世纪60年代,基本上由尼采与海德格尔培育出来的法国后结构主义思潮,漂洋过海去到美国后,在美国获得了更为露骨的后现代主义动机。正当美国陷于越战的泥潭而遭致自由民主价值的最大的合法性危机之时,由德里达打头,所谓的“耶鲁四人帮”为后盾的美国后现代主义思潮迅速地在全球漫延开来。其中最著名者,叫保罗·德·曼。此人极其聪明,文笔流畅,思路清晰。其基本观点是,一切文本都是作者袒露与隐瞒的运作,记忆与遗忘的策略。一切阅读都是误读。而写作与阅读则构成作者与读者之间一种揭露与掩盖、设访与投射的游戏。80年代末,从他年轻时期的某些档案材料中,人们发现了他原来是纳粹时期一个积极的反犹主义者。于是,美国大学特别是英文系里那些天真的解构主义信奉者们,突然惊讶地意识到了某个事实:解构主义与罪恶意识的压抑(遗忘)之间的不经意流露的关联。 90年代初,美国的“索卡尔事件”使后现代主义的最后一点美丽幻象也破灭了。索卡尔是一位美国物理学家,他花费了差不多整整两年的时间,处心积虑地炮制了一篇题为《超越界线:走向量子引力的超形式的解释学》[Transgressing the Boundaries."Toward a Transformative Hermeneutics of Quantum Gravity]的诈文,其中充满了常识性科学错误同时却充斥了后现代主义者最喜爱的奇思妙想与时髦术语,并把它投给了美国最著名的后现代主义刊物之一《社会文本》[SocialContext](中国社会科学院的座上宾詹明信[F.Jameson]是该刊的主编之一),结果是,此文被登了出来。尽管这一事件的深远意义远未为人们充分意识到,但是,人们普遍认为,此举表明了后现代主义者的学术水准已经下降到了何种荒唐的地步。 可以并不夸张地说,上述三个事件事实上已经宣告了哲学、文学艺术与社会文化三个层次上的后现代主义思潮的破产。“事件”之所以为“事件”,乃是因为人们在其中倾注了大量热情,因而卷入了无数文献。围绕着这些事件,人们能够组织起纷纭的思绪,从而给予一个时代的精神状况以实体表现的形式。而这个时代精神状况则是:人们对于后现代主义应当被理解为20世纪下半叶西方社会的一种病理症状对一点已经获得了清楚的自我意识。后现代主义以其智性上的反理性主义、道德上的犬儒主义与感性上的快乐主义,即便在最为流行的时候,也没有逃脱西方有识之士的尖锐批判。本书多次提及的哈贝马斯就是这样一位思想家。而另外一些学者,则将后现代主义看成西方高度现代主义[high modernism]的一个反题。现在,走向终点的反题已经失去了昔日的锋芒,一种新的综合开始到来。那就是“后现代之后”:魏尔默与霍内特之坚持现代主义与后现代主义的辩证观,当作如是解。然而,本书作者宁愿坚持一种拓展了内涵的现代主义立场,并认为哈贝马斯的“未完成的现代性”,或贝格尔的“后前卫艺术”的提法更为可取。因为,如果说现代主义是西方现代艺术的正题,那么,贝格尔所说的旨在摧毁现代主义自主原则的“历史前卫艺术”[historicalavant-garde,指达达主义、早期超现实主义与苏俄前卫艺术]才是现代主义的反题。而后现代主义,某种意义上只是欧洲历史前卫艺术(以杜桑[Duchamp]为代表)的延续,某种意义上则是欧洲历史前卫艺术的一个搞笑的美国版(以沃霍尔为代表,参本书所述胡伊森精彩的分析)。因此,导源于对现代性的敏感意识的现代主义,其潜力远未穷尽,而它在遭遇历史前卫艺术与后现代主义的挑战后,反而显出了更顽强的生命力。这就是本书结论中所说的“无边的现代主义”的基本意思。 然而,正当后现代主义在它的原发地已经走向终结的时候,它在中国却获得了始料未及的繁衍契机。与某些论者不同,本书作者并没有简单地将中国式后现代主义归结为学术界与艺术界鹦鹉学舌的结果(所谓“话语的平移”)。后现代主义在中国的传播有着深层次的历史原因,也有着更为具体可感的现实动机。后现代主义的反基础主义、反总体性、反主体性、强调动态过程胜于静态结构,与中国前现代性思维是如此合拍,以至于人们稍加思索就不难从后现代主义当中辨别出中国保守主义者的弦外之音。而它所宣扬的后现代主义视觉美学:非线性几何、不对称、反崇高、散点透视乃至中国园林式“后现代空间”……也与中国前现代性美学如出一辙。不是偶然的是,西方鼓吹后现代主义建筑最起劲的查尔斯·詹克斯先生的太太就是一位研究中国园林的专家。而欧美某些后现代主义“建筑大师”到中国来兜了一圈后欣快地大叫“后现代建筑在中国”,也就不难理解。于是,贫困时代的灾难性混乱、粗野的地方性崇拜与不加克制的复活主义立刻被宣布为后现代性的前卫性。而近年所谓“经济起飞年代”的那些拙劣的伪现代建筑与陈词滥调的现代主义当然不加区分地被宣布为“现代主义的垃圾”。 后现代主义在中国落脚的时候,正是80年代尚未分化的中国知识分子群体的“新启蒙”遭到重创的时候。这赋予了后现代主义在中国的传播以干载难逢的大好机会。由90年代初的北京大学出版的《走向后现代主义》开路,北大与中国社科院一路高歌走向“后现代主义”的文化出版事业大游行:《后现代主义文化研究》、《后现代主义文化与美学》、《后殖民文化批评》,直到蔚为大观的“知识分子图书馆”(似乎只有后现代主义分子才配称得上“知识分子”的称号)。显然,除了迎合文化保守主义的心态,后现代主义太切合新左派的胃口了。在中国的文化保守主义者与新左派眼里,难道还有比批判形而上学的恐怖主义、理性社会的大监狱、西方中心主义的险恶用心、自由民主的乌托邦、全球化的谎言,宣扬身份与差异、文化与价值相对主义的后现代主义更好的东西吗? 与保守主义者忽然从后现代主义中找到了中国前现代性的新的合法性一样,中国的后现代主义者则从西方后现代主义“没有底盘的游戏”(德里达)、“一切皆可”(邓托)、“快乐的虚无主义”(奥利瓦)以及“正经不起来”(苏姗·桑塔格[Susan Sontag])那里,发明了“政治波普”、“泼皮现实主义”、“新文人画”、“玩得就是心跳”、“一点正经没有”,以及各式各样假冒的观念艺术。但是,与保守主义的危险不同,中国式后现代主义的危险并不在于它成了与当下感性全然无关的形式玩物与装饰,而是走到了另一个极端;即不顾一切形式法则与视觉质量的纯粹的观念。西方“历史前卫艺术”的合理因素在于:他们的反形式[anti-form]与反艺术[anti-art]是建立在西方现代艺术史特别是经典现代主义的高度形式主义的正题之上的。这样,前卫艺术的反题才拥有了一定的合法性。而中国式后现代主义在没有任何语境的前提下,一下子走到了反形式的前卫艺术,因此它除了孤零零的个别事件之外,不可能产生真正的文化政治[cultural politics]效应。不仅如此,它的真正危险在于,它以貌似激进的观念掩盖了这样一个基本事实:即中国现代性的先天不健全;并以这种思想的短路形式扼杀了中国当代艺术的现代性诉求。 在本书即将完成之际,我读到了英国著名批评理论家伊格尔顿的如下一段话:“今天在北京大学设有一个后现代研究的机构,中国在进口减肥可乐的同时一起进口德里达。一种需要深入探讨的时间扭曲。殖民主义的进程有助于在好坏两方面剥夺第三世界社会的发达的现代性,现在这个进程让位于新殖民主义的进程,由于这个新的进程,那些部分地是前现代性的结构被吸入了西方后现代性的旋涡。这样,没有继承一种成熟的现代性的岳现代性日益戒为它们的命运,好像落伍造成了一种形式的早熟。一个进一步的矛盾是,在古老与先锋的痛苦张力中,在文化的领域里,再造了一种现代主义艺术的某些经典条件。”(伊格尔顿:《后现代主义的幻象》,第139页)中国是否已经具备了现代主义艺术的经典条件,本书暂且不论。这里能说的是,从意识到我们的参照系的情形——西方现代主义事业的未竟使命及其后现代主义的幻觉——的那一刻起,这种条件就已经在形成之中了。因为,意识的照亮之处,正是救赎的开始之时。本书作者并不自命为这一救赎的努力当中的一部分。我只能满足于在四处弥漫着的文化保守主义与后现代主义大雾中保持清醒的尝试,并且坚信,正如文化保守主义一后现代主义同盟曾经欢呼雀跃地宣布中国可以并且应当绕过现代性直接跃入岳现代性是一场白日梦一样,那种认为后现代主义乃是中国艺术的命运的说法也只不过是一纸谎言。曾几何时,人们是那么醉心于中国可以避开工业化、城市化与社会化的现代性命题直奔信息化、乡土化与社群化的“后工业社会”的美梦,然而,一个越来越被认可的事实却是:中国一向试图绕过去的工业化进程、市场法则、理性化管理、程序合理性、法治原则,乃至于统治的正当性基础,却原来是绕不过去的现代性的硬核!而我们在走向社会的现代化与文化的现代性过程中所遭遇的种种挫折,无不可以追溯到这样一个事实:即我们没有从思想意识到行为习惯上真正确立主体性——黑格尔认为的现代性的本质——的基础地位。回顾中国式后现代主义狂热对“主体性”的嘲笑与“解构”,难道还不让人感到啼笑皆非吗!事实上,文化的中断与意义的失落(我们在处理传统与现代性问题上的曲折与反复)、社会的未分化和并非建立在真正的个体主体性基础之上的社会的虚假团结,以及个性的匮乏,解释了以下社会现实:由于我们在处理传统与现代性的关系问题上的笨拙,以至于“创新”需要被当作一种政治口号由政府来加以提倡;由于我们并没有真正确立起一种自我选择、自我负责的现代性的自律道德的基础,以至于“诚信”居然成为一个“拥有五千年文化的文明礼仪之邦”在遭遇现代市场法则与新型人际关系时的最大问题;由于强大的儒家传统与20世纪极左派集体主义意识形态对个体主义的压抑,以至于“个性”的不健全始终成为中国各种社会现象最有解释力的终极原因:由于缺乏个性,整个社会才循环地陷于各种“群众运动”之中;由于没有个性,整个社会才经常承受着未分化(在某种意义上就是没有多元的价值体系及其相应的多元的生活方式)所带来的巨大压力。以至于,人们可以说,一个庞大的无边无际的来分化社会的海洋(特鄹是农村),为顽固的文亿保守主义提供了源源不断的社会资源;雨一个尚来形成自我意识中心、自我价值定位与自我道德承担的“无中心的”[non-centered]个人。恰恰成了“去中心的”[de-centered]、啕醉迷狂的、“一切皆可的”和不负责任的后现代主义的最佳温床。 本书出版之际,我感到更加有必要感谢徐岱、高力克、毛丹、孙周兴、刘翔诸位先生,他们把我从结束学生生涯不久后的那种心智懈怠与无所事事中挽救了出来。回顾近十年的学术道路,我所取得的每一次转机都与他们在浙大玉泉校区所营造的智性氛围有关。对老浙大的怀念已成为一种珍贵的人生体验。没有一种氛围,一个人什么也干不来。因为你不可能在毫无氛围的情况下凝聚起纷乱的思绪。 在本书的写作过程中,我还有幸前往剑桥大学从事为期一年的访学研究。在此要特别感谢剑桥大学艺术史系主任Dr.Binsky,他的热情好客使我得以自由地使用他们丰富完备的系图书馆和幻灯资料室。而Dr.Alice Mahon的现代艺术史专家与三一学院Fellow的双重身份,不仅给予了我直接的专业指导,而且还让我领略了最古老学院的日常生活气氛。我在剑桥的东道主哲学系则使我第一次感受到了“剑桥名士”们的风采。Dr.Raymond Geuss令人惊叹的慷慨博达与逸情雅致,常常令人如沐春风、豁然开朗。他的个人背景(出身于美国、长期就学与就勃于德国)及其德国思想史的学术背景,让我在一个视哲学基本为数理逻辑的剑桥环境中找到了“知音”。本书的最后体例就是在与他的无数次讨论之后才确定下来的。 其后去欧陆的游历虽然短暂,但至少部分地实现了我从少年时代就开始编织的梦想。艺术在这里 见证了天地人神四方际会、供奉与馈增的游戏(巴台农神庙),见证了古典时代的英雄精神(万神殿),见证了中古时期神明与圣明的在场(“欧洲大教堂”),也见证了文艺复兴时期人性与神性的卓越平衡。置身于欧洲就是徜徉于艺术。置身于欧洲意味着要回答如下问题:艺术之为美的形式如何与艺术之为真理的在场以及艺术之为道德的进盼相互关联?[How an art as the beau tiful form is related to an art as the present of truth and the stageto morality?]置身于欧洲还意味要回答这样的问题:一种伟大的文明如何屹立于地表,以及在这种伟大的文明中,艺术能够扮演何种伟大的角色?欧洲是真理的声音战胜虚无主义的历史本身,是道德的力量战胜犬儒主义的历史本身,是艺术的激情战胜猥琐无聊的历史本身。而这一历史本身又是如此直观地凝固在欧洲的城市建筑、广场、雕塑以及各大博物馆中!我在欧洲的经历使我懂得,一种伟大的艺术如何可能,以及一种伟大的文明最终怎样结晶于伟大的艺术之中!这一信念已经深深地沉淀于本书的血脉中了。 在我感到有必要感谢的人当中,范景中先生的位置绝对位于前列。我深受其思想影响的人当中至少有两人(波普尔与贡布里希)与他的出色工作有关。因此,当范先生询问我可否将此书交给中国美院出版社出版时,我毫不犹豫地答应了。 对写书的人来说,没有比遇到一位好编辑更幸运的事了。周书田女士热情而又高度负责的态度使本书得以最快的速度与读者见面。她不厌其烦地编选与调整大量插图,也使本书严肃的理论面孔变得可忍受了。 最后,但不是最不重要的,我要感谢一直陪伴我左右的两位女士。她们对我的爱怜与纵容是我生活中的永恒慰藉。刚到欧洲时的单身生活使我更加刻骨铭心地感受到了她们在我生命中的位置。她俩的到来使我的生活得以恢复,并着手此书的写作,因此,把它献给她们,理所当然。
简介: 所属分类:艺术 > 摄影 > 技法教程 > 书中详细地讲述一张成功的人像或人体艺术照片的产生过程,从摄影设备的选择、寻找创意、选择模特,到拍摄时如何摆姿势和运用表情,再到设置相机、布光、取景,最后如何通过photoshop以及相关插件进行后期处理。 可以说,这就是一本关于人体摄影的“教科书”,但却没有教科书样的呆板、教条。凯迈克尔?库恩莱恩和哈拉尔德?海姆两位作者语言幽默,轻松自然,让我们在学习的过程中不至于感觉乏味;虽然没有散文一样的优美语句,华丽辞藻,但却浅显易懂,让人一看就能了解关于人像和人体摄影方面的很多知识,适合大众阅读。 这里你不仅可以学习一些用通俗易懂的语言描述的理论知识,还可以欣赏到多位摄影名家近200张人像和人体照片。另外,本书还包含30张以图式和摄影形式表现的布光图,相信对你一定有帮助。 前 言 1 人像和人体摄影的魅力 人像摄影 人体摄影 摄影师与模特 摄影工作室或户外拍摄 是否用photoshop? 2 设 备 相机和镜头 raw还是jpeg? 硬件和软件 日 光 室内照明,还是泛光灯? 便携式闪光灯还是影室闪光灯? 使用影室闪光灯 3 灵感与实现 设计好的,还是源于本能? 寻找灵感 人像摄影风格 人体摄影风格 拍摄地点:户外和室内 把自己的客厅用作摄影工作室 专业摄影工作室 配饰、道具和背景 4 模 特 从事模特职业的熟人和朋友 在网上找模特 业余模特和专业模特 合同与酬金 tfp 商业照片 化妆和风格 自己化妆,还是请化妆师? 到哪里找化妆师? 选择数码化妆 拍摄前的准备工作 给模特一些指示,还是? 与模特沟通,给出指示 必要时即兴发挥 5 姿势和表情 没有姿势目录 复制还是创作? 纠正姿势 面部表情 工作方法 帮助摆姿势 与两位模特合作 自然动作代替固定的姿势 没有特殊的办法 6 光 线 挑战日光 影室里的光造型 光线的方向 布 光 光的变化 彩色滤光片和挡光板 识别布光情况 摄影初学者要避免的错误 9 实践-站在巨人的肩膀上 摄影师史蒂芬格塞尔工作的一天 马丁克罗洛普和马克格斯特的 户外摄影 汤姆利德的室内摄影 7 相机设置 持续光 混合光 手动设置 影室闪光灯的光 使用测光表测量光圈值 没有测光表 景深和对焦 8 画面构思 取 景 透 视 黑白还是彩色? 选择照片 摄影初学者要避免的错误 10 数码后期处理对照片很重要 留住眼前的现实 流行趋势和理想的美 我们美吗? 是否需要数码图像后期处理? 11 photoshop技术 使用camera raw打开jpeg格式 照片 白平衡调整方法 使用camera raw调整白平衡 使用photoshop快速处理 渐变数码光效 图层和蒙版 模拟柔光屏或闪光灯 通过暗角强调主题 先进的暗角技术 暗角作为图层蒙版 12 后期处理 使用修复画笔进行细节修饰 去掉色斑和微暗影 修饰皮肤 修饰皮肤结构 使用光和影塑造 细节处理 肤色和亮度 塑 身 13 photoshop和插件的处理效果 从彩色到黑白 使用调整图层处理黑白图像 使用cs4的“黑白”功能 给单色图片着色 抓人眼球的colorkey 使用photoshop和插件处理高调 照片 使用胶片颗粒作为修饰手段 油画和素描效果 使用插件做特效 14 蒙太奇与合成 脸部和姿势的蒙太奇效果 前景合成 举例说明复杂合成 背景合成的六个要点 简单的背景蒙太奇 插入地面背景图像 合成过程的结构图 通过灰度蒙版释放 结束语 15 图片展示 在网站社区展示照片 为自己的照片建一个网站 打印照片 画布上的照片 画 册 在展会上展示照片 如何用照片赚钱? 正确看待批评 附 录 《解密:人像&魅态摄影》(附cd光盘1张)是一本讲述人像或人体摄影,从灵感和创意的来源到准备工作、拍摄过程的技术技法到后期提升照片的表现力相结合的指导性图书。 书中语言简练、幽默,轻松自然,浅显易懂,教你一步步再现人像、人体艺术杰作的创作过程:器材-创意-模特-美姿-用光布景-取景构-后期等。 《解密:人像&魅态摄影》(附cd光盘1张)免费赠cd光盘,光盘中有70余张精彩的人像、人体艺术大片以及后期处理相关插件。 无论专业人像或人体摄影师还是业余人像或人体摄影爱好者,本书都将成为非常实用、非常宝贵的参考。 凯迈克尔·库恩莱恩,他将街头摄影、建筑艺术及模特与各种主题相结合。到目前为止,他撰写了20多本关于图像后期处理和摄影方面的图书。哈拉尔德·海姆他10年来主要从事photoshop插件研发工作。2005年进入模特和舞蹈摄影领域,之后又开始使用photoshop进行美容修饰工作。
Decoding foreign cartoon:origin, creativity, idea & marketing
作者: 宋磊著
出版社:中国传媒大学出版社,2012
简介: 《动漫创意丛书·解码外国动漫:源流·创作·观念·营销》从源流、创作、观念与营销四个角度,回答了40多个有关外国动漫的问题,涉及创意、编剧、衍生品开发以及历史文化等多个领域。剖析成功品牌的成功经验,总结失败案例的失败教训,本书通过一篇篇极富可读性的短文,将外国动漫的历史源流、创作理念和营销方法,用浅显易懂的方式讲述给您。 你也许知道在本世纪初迪土尼收购了皮克斯公司,但你不一定知道这桩收购案背后的动因;你也许知道日本动画导演宫崎骏创作了众多脍炙人口的动画电影,但你不一定知道为什么他的作品从来不拍摄续集:你也许知道热血动画《灌篮高手》让无数孩子迷恋上了篮球,但你不一定知道为什么它的动画片止于全国大赛预选赛,而漫画中颇为精彩的全国大赛却迟迟没有被改编成动画……本书就对您知道和不知道的外国动漫现象问上一个为什么,并揭示它们背后的秘密。
作者: 侯立平著
出版社:中国传媒大学出版社,2010
简介: 我们正处在信息化的时代,信息的容量、传播的速度、涵盖的范围都在与日俱增,为此,人们不断寻找信息传递更为便捷迅速的手段。视觉传达的方式应这一需求而得到普遍的应用,国家、企业、社团、机关纷纷通过视觉符号——标志来树立各自的形象,传达各自的理念。由于经济的发展,市场竞争日益激烈,商业中的视觉传达信息尤为活跃。 从国内情况来看,自1 988年起,首例企业识别系统(CI设计“太阳神”制作导入的成功,使研究Cl、导入c哟热潮在神州大地兴起。各企业开始争相搞CI形象策划,期望以此树立企业的形象,提高竞争能力。但由于C J是泊来品,在我国尚处于引进研究阶段,所以Cl的导入难免缺乏一定的经验,出现一定的误区,最常见的误区表现在重形式、轻理念;重实施、轻规划;重近利、轻长远等等。其中视觉表现形式与理念的关系问题是应当引起企业决策人与设计师共同关注的问题。理念(MI)是企业的灵魂,是企业一切运营的核心,脱离了这个核心, 行为识别(B1)与视觉识别(Vl)都将成为空中楼阁。就像人的行为举止、言辞谈吐无法表达内心思想情感一样,企业的理念精神无法得以传达。所以,没有理念的Vl其实只是失去灵魂的躯壳和虚饰。从设计师的角度来讲,企业标志的形象化由理念转化而来,应当注意保持视觉语言与企业理念在精神内涵上的一致性,避免主观臆造以致产生视觉语言诃不达意的现象。
Storytelling in the new Hollywood:understanding classical narrative technique
作者: (美)克莉丝汀·汤普森(Kristin Thompson)著;李燕,李慧译
出版社:新星出版社,2009
简介: 在这样的一本读起来既生动有趣又能启人深思的书里,克莉丝汀?汤普 森为我们做了一次深入的对于好莱坞叙事艺术的分析探讨,告诉我们它们 是如何被用以制造出情节紧张复杂却又极易理解而且颇富娱乐性的电影。 她同样解析了现代好莱坞电影的神话,指出现代好莱坞电影是建立在一种 与片场时代黄金期大不相同的叙事体系之上。 通过对大批从1920年代到1990年代影片的分析——从默片时期的冷面 笑匠基顿的《待客之道》到经典的《卡萨布兰卡》再到《终结者2》,汤普 森解释了用于影片叙事的几个重要元素:目标明确的主人公、双情节线、 对白勾连。她也通过例证分析说明了“三段式结构”这种被电影从业者和 媒体评论者广泛使用的概念,实际上并不能解释好莱坞影片的故事是如何 被组织起来的。 接着汤普森条分缕析展示了古典叙事艺术是如何在自1970年代开始的 新好莱坞时代的十部获得票房及评论双赢的成功之作中起作用的:《窈窕 淑男》、《回到未来》、《沉默的羔羊》、《偷天情缘》、《寻找苏珊》 、《莫扎特传》、《猎杀“红色十月”》、《温馨家庭》、《异形》,还 有《汉娜姐妹》。作者还附带分析了造成1990年代以来的好莱坞电影质量 明显下降的原因所在。对于广大影迷、学者以及电影人等来说,她的研究 成果都是极富趣味的。
作者: 原著 (美国) 蒂莫西·萨马拉
简介: 《设计元素:平面设计样式》是广西美术出版社2008年引进美国Rockport出版社“美国视觉设计学院用书”系列之一。书中清晰地阐述了平面设计的诸多原理,如版式设计、字体设计、色彩应用、空间处理、图像选用等,以及如何将这些设计元素整合起来的方法,帮助设计师掌握优秀平面设计的基础技巧。书中收录了国外几百幅精彩的设计作品,附有精辟的点评,能够点亮设计师的灵感火花,是平面设计掌握专业知识、提升设计技巧的指导用书。 平面设计师的工作,是让需要传达的信息实现视觉转换,变得井然有序,形象生动,从而实现信息的有效传达。对于平面设计师而言,若想成功,就必须具备正确的专业知识、技能和敏锐的直觉。
Photographer’s eye:composition and design for better digital photos
作者: (英)迈克尔·弗里曼(Michael Freeman)著;张靖峻译
出版社:人民邮电出版社,2009
简介: 要创作出成功的数码摄影作品,设计是最重要的因素。从眼前的景象 中捕捉到潜在的不同凡响的画面,然后将各种视觉元素组织成引人入胜的 构图,一直是摄影的关键技能。国际著名的摄影大师迈克尔·弗里曼在本 书中与读者分享自己的宝贵经验,系统、精辟的阐述了创作数码摄影佳作 的关键技能,讲解了数码摄影构图与设计,向读者传授创作数码摄影优秀 作品的关键技能与心得。书中阐述了传统意义上的拍摄构图,以及应用数 字图像编辑技术的新的构图方式;指导读者如何发掘最佳拍摄地点来创造 拍摄佳作的机会;使用实际拍摄工作中的实例,用示意图的方式详细讲解 了如何及为什么能够成为好的作品。 无论是职业摄影师还是业余爱好者,都能从本书学到摄影设计和构图 的精髓,进而掌握拍摄优秀作品的关键技能。
The Style and History of Scandinavian Design
作者: 易晓著
出版社:武汉大学出版社,2005
简介: 《北欧设计的风格与历程》依据翔实、系统的史料,分析斯堪的纳维亚设计风格的形成与该地区的民族、社会、政治、经济、文化、科技等相关因素之间的有机联系。通过对趋同性与多元化现象的梳理,系统地阐释斯堪的纳维亚现代设计的发展变化历程,探究和揭示其发展模式,为面临国际竞争挑战的中国当代设计的走向提供了有学术价值的参考和借鉴。 北欧设计以其特有的风格在世界设计史上独树一帜并且占有重要的地位,其经典的创意已成为现代设计的楷模。北欧设计界极力推行有代表意义的民主设计,体现出历史悠久的北欧民主传统;它将与自然相协调的传统设计思想,与人文功能主义有机地结合起来,为北欧设计注入了新的旺盛的活力;同时它亦重视地域特征及民族工艺传统,为北欧各国设计个性的形成提供了必不可少的要素。沿着以上三种主要的途径,在北欧诸国政府的大力扶持之下,经过几代设计师的不懈备斗,北欧设计成功地实施了“大众化的美”的设计宗旨,终于建成了一个意义深远、影响世界的设计流派。