Music art life:lectures on essays on music

作者：  李岚清[著]

出版社：高等教育出版社,2006

简介：　　李岚清“音乐·艺术·人生”讲座和《音乐·艺术·人生》首发式今天在北京大学百周年纪念讲堂举行。《音乐·艺术·人生——关于〈音乐笔谈〉的讲座》是李岚清同志继《李岚清教育访谈录》和《李岚清音乐笔谈》之后的又一力作。教育部部长周济在首发式上讲话，首发式由教育部副部长陈小娅主持。李岚清在首发式上还为部分师生代表签名赠书。 　　据了解，李岚清同志2003年从党和国家领导岗位上退下来以后，先后出版的《李岚清教育访谈录》和《李岚清音乐笔谈》两部著作，在社会各界引起了强烈反响。《李岚清音乐笔谈》出版后，许多读者及高校希望能与李岚清同志就相关内容进行对话和交流，特别希望李岚清同志能亲自到高校开设讲座，以进一步推动学校素质教育的开展。在高校的强烈要求下，李岚清从2004年12月起，以清华大学为开端，踏上了举办“音乐·艺术·人生”专题讲座之旅。在一年多的时间里，李岚清同志不辞劳苦，先后在全国20多个省、自治区、直辖市的高校开设讲座40余场，现场聆听讲座的师生遍及几百所高校，约10万余人。大家都深深地被李岚清同志的博学睿智、儒雅洒脱所折服，被他对音乐的独到理解、深切体会所吸引，被他对教育事业的热忱、对艺术教育的执著情怀所感动，从他深刻的思想见解、丰富的人生经历中得到有益的启迪。 　　《音乐·艺术·人生——关于〈音乐笔谈〉的讲座》一书，是以“音乐·艺术·人生”为主题的40余场讲座的精华荟萃。讲座结合李岚清本人丰富的人生阅历、独特的工作生活经验、深厚的音乐艺术修养，通过深入浅出的理论阐述和古今中外的鲜活事例，展示了音乐艺术的独特魅力及其与人生的特殊关系。从艺术教育到提高全面素质，从全脑开发到创新能力，从经典音乐到通俗歌曲，从音乐到人生，从工作到生活，从内政到外交，内容广博而生动，内涵深刻而丰富。书后还附有dvd光盘一张，内容包括120分钟的讲座现场录像和20分钟的专题介绍片《穿越时空的乐章——走进李岚清的“音乐·艺术·人生”》。 　　教育部部长周济在讲话中特别指出，要全面贯彻党的教育方针，切实推进素质教育，使广大青少年学生在德、智、体、美几方面得到全面发展，《音乐·艺术·人生》一书对于提高全民族特别是青少年的文化素养，构建社会主义和谐社会，具有重要的教育价值，必将产生积极的影响。 　　教育界、文化艺术界的部分专家和部分在京高校、中学的校长代表出席了首发式并聆听了讲座。 　　

Concept art of C12

作者：  冯伟编著

出版社：清华大学出版社,2011

简介：　　 《冯伟的暗黑CG艺术：顶尖游戏原画设计之全案解析》以国内顶尖CG 　　艺术家冯伟的视角全面集中地讲解游戏概念设计、专业绘制技法、游戏设 　　计规格的2D原画方面的专业书籍。作者从2008年开始收集完善资料，酝酿 　　这本游戏美术方面的专业CG图书，旨在公布一些专业游戏美术的制作流程 　　以及高端CG绘图技法。 　　 《冯伟的暗黑CG艺术：顶尖游戏原画设计之全案解析》主要使用数位 　　板配合Photoshop等图像软件，全面系统地讲解CG绘制中的每一个步骤，将 　　绘制中的每个阶段用图文流程形式表现出来，配备文字注释，清晰全面地 　　解释CG绘制各个环节可能遇见的问题，并一并给出解决方案。另外，本书 　　提供了冯伟绘制的大量精彩作品，其中还包含大量未公开人物设定及场景 　　设定以及在权威杂志上发布过的作品和商业封面的高清重现。 　　 《冯伟的暗黑CG艺术：顶尖游戏原画设计之全案解析》光盘包含本书 　　实例的部分视频教程以及本书的部分素材和最终文件，另外提供8个高清 　　PSD分层文件。 　　 《冯伟的暗黑CG艺术：顶尖游戏原画设计之全案解析》读者群为有一 　　定专业绘画基础的CG绘图人员，喜爱CG绘画的美术爱好者或鉴赏者以及将 　　要进入游戏原画行业的初学者。 　　

Teach yourself visually guitar

作者：  (美)查尔斯·金(Charles Kim)著;程欢译

出版社：人民邮电出版社,2012

简介：想快速学会吉他弹奏？别急，《看图自学吉他演奏》将借助上百幅分解图片，一步步为你讲解吉他演奏知识。无论你想学习原声吉他还是电吉他，首先都要学会正确的演奏姿势和基本的和弦弹奏，然后进阶到扫弦、使用匹克弹奏、横按和弦、分解和弦、低音进行、独奏以及以各种风格弹奏曲子等知识，本书正是这样一本Setp-by-step 图解教学，一看就懂的吉他书。 作者查尔斯·金在芝加哥著名的老城民乐学校教授吉他、贝司、歌曲写作、音乐录制及音乐理论。他是一位多才多艺的音乐家、创作者及作曲家，曾受皇家艺术学院（Royal Academy of Art）、Show time 电台以及历史频道（History Channel）委托创作乐谱并被采用。在本书中，他从教练的角度提出了很多初学者易犯的错误并给出简单有效的解决方案和小技巧。 《看图自学吉他演奏》在美国市场反响颇佳，已出版第二版，此次引进的为第二版，增加了全新的识乐谱章节，并有更多的图片及例子帮助读者快速掌握弹奏技巧。相对国内同类书，本书编排更加科学，基本功讲解扎实详细，附赠的CD将从调音开始一步步辅助你的吉他学习，特别适合初学者自学。

展示设计

作者：  葛鸿雁编著

出版社：高等教育出版社,2007

简介：本书为“十一五”国家级规划教材、ART#DESIGN新思维设计系列教材之一。本教材在尊重教学规律基础上安排教学内容，体现教学的有序性。具体而言，本教材共设十章，分为三大部分：学习的基础、设计的入门和能力的扩展。第一部分“学习的基础”包括展示及其设计的概念、展示的要素（上）、展示的要素（下）、展示的形态等4章。这是学生在进行展示设计工作与学习前必需具备的认识。第二部分“设计的入门”包括设计的类型、设计的程序、展品陈列设计、展示版面设计等4章。这是学生学习展示设计的主干内容。第三部分“能力的扩展”包括展示形象设计和展示照明设计等2章。这是学生具备最基本的展示设计能力以后的进一步深化。另外，本教材在每章前有一段本章内容的概括性介绍，章节条目反映内容的层次关系。其目的是展现展示设计学科的全貌，方便学生自学。书后配有教学光盘，便于教师的多媒体教学和学生的课后学习。可供高等学校本、专科设计专业师生使用，也可供成人教育及广大设计爱好者使用。

Disney animation art history

作者：  李四达编著

出版社：清华大学出版社,2009

简介：　　 迪斯尼公司是全球著名的动画和媒体娱乐公司。了解迪斯尼的成长历程 　　和研究迪斯尼动画艺术的发展轨迹，可以使我们掌握迪斯尼百年兴盛的奥秘 　　，探索迪斯尼公司发展背后曲折感人的故事，体验迪斯尼产品所代表的价值 　　观；此外，还可以了解迪斯尼动画的创作和表现规律以及动画制作技术的发 　　展历程。 　　 本书是一本全面论述迪斯尼动画艺术历史和迪斯尼文化传奇的教材。该 　　书分5部分共19章，系统地介绍了迪斯尼动画艺术的发展历程。本书条理清 　　晰、图文并茂，是动画和数字艺术学科领域的普及性读物，同时也可以作为 　　高等艺术院校“动画概论”, “动画原理”和“动画故事版创作和影视编剧 　　”以及工商管理专业的“现代企业管理”等艺术、传媒和管理类基础课和专 　　业课的教材，适合于艺术设计、媒体和广告等专业的本科生学习，也可以作 　　为动画艺术、媒体艺术设计爱好者的自学用书。为帮助读者掌握迪斯尼公司 　　发展历史和动画理念的形成，本书还提供了1张DVD光盘，内容包括迪斯尼公 　　司发展大事记影片剪辑、迪斯尼经典动画影片剪辑、本书的电子教案和电子 　　试卷等。 　　

Foundations of animation art

作者：  冯文，孙立军编著

出版社：海洋出版社,2007

简介：　　本书是动画专业的基础课程教材，是每一位动画专业的学生首次“认 　　识”动画的途径，由6章和2个附录构成。 　　 本书以教学大纲为基础，结合数年教学经验，将课堂上学生常提问的 　　内容加强重点分析与解释，编写思路从三个方面出发：1.动画是什么：介 　　绍动画的定义、动画的本质与特点，并重点介绍世界动画史上重要的里程 　　碑。2.动画有什么：通过不同的分类方法，进入五彩缤纷的动画世界，加 　　强对动画形式的认知，并从历史发展、文化背景的角度介绍世界各国多元 　　化的动画风格与流派。3.动画做什么：介绍动画制作流程、团队职责与分 　　工、制作工序，以及各环节需要注意的事项。附录1是本书各章的测试题， 　　附录2是动画常用专用术语中英文对照表。 　　 本书为即讲、即看、即学的全新教学模式，内容非常丰富、由浅入深 　　、通俗易懂、语言简洁流畅，配以大量珍贵的画面，配套光盘中有14类经 　　典动画样片片段，活脱脱勾勒出一幅世界动画发展历程的宏伟画卷，使读 　　者情不自禁地对动画先辈们怀有崇高的敬意，大大激发学习和了解动画的 　　兴趣和热情。书中分析和借鉴各国成功的动画经验和失败的教训，对启迪 　　智慧、大胆创新大有益处。

Art Criticism in the 20th Century

作者：  沈语冰著

出版社：中国美术学院出版社,2003

简介：　　理论界流行着这样的见解：20世纪乃“批评的世纪”。单从一波接一波风起云涌的批评理论[critical theories]而言，这种说法似乎并不夸张。从上世纪初的英美新批评、俄国形式主义、精神分析学派，到上世纪中叶的结构主义、新结构主义、女权主义、新马克思主义，再到世纪末的新历史主义与后殖民文化批评，批评理论在20世纪的人文学科中确乎风光无限。即就视觉艺术批评来说，与上个世纪潮流迭起的艺术运动一样，艺术批评同样充满了精彩纷呈的景观：阿波利奈尔[Apollinaire]、罗杰·弗莱[Roger Fry]、本雅明[Walter Benjamin]、赫伯特·里德[Herbe rt Read]、克莱门特·格林伯格[ClemenlGreenberg]、阿尔法雷德·巴尔[Alfred Barr]、哈罗德·罗森伯格[Harold Rosenberg]、约翰·伯格[John Berger]、波普艺术批评家群体、查尔斯·詹克斯[Charles Jencks]、奥利瓦EOliwa]、阿瑟·邓托[Arthur Danto]、汉斯·贝尔廷[Hans Belting]、罗莎琳·克劳斯[Rosalind Krauss]、彼得·贝格尔[Peter Burger]、加布利克[Suzi Gablik]、胡伊森[Huyssen]、T．J．克拉克[T．J．Clark]、麦克尔·弗莱德[Michael Fried]、西尔盖·吉博[Serge Guibaut]、唐纳德·库斯比特[Danald Kusbit]、希尔顿·克莱默[Hilton Kramer]、斯蒂芬·莫拉夫斯基[Stefan Morawski]以及，或许是上世纪最伟大的批评家泰奥多·阿多诺[Theodor Adorno]。 　　　　然而，这些批评家及其理论在中国的命运却大不相同。当国内支学批评界对上世纪的各种文学批评理论如数家珍的时候，上述艺术批评家当中的许多人在国内艺术批评界甚至闻所未闻。艺术史向来被认为是本国史学中最弱的学科之一，而艺术批评理论的匮乏无疑加剧了它的不堪。上世纪最著名的艺术批评史家文丘利[Venturi]曾经断言：一切艺术史都是批评史，因为艺术史中对作品的描述、解释与评价无不涉及艺术批评，或者不妨说就是批评的任务。20世纪下半叶对西方艺术史的不满程度，可以从欧美各国质疑艺术史的方法论基础的出版物的持续升温这一事实中见出。可以这样说，批评理论的迅速发展已经改变了艺才史的方向。相应地，它的缺失也就成了国内艺术史学科的重灾区。 　　 批评家作为现代艺术潮流的孵化者、报导者、仲裁者甚至制造者，早已被公认为当代艺术动力机制中的关键。试想一下这些批评家在催化与帮助人们理解那些艺术运动中的角色：弗莱之于后印象派、阿波利奈尔之于立体派、格林伯格之于抽象表现主义。也许，我们可以援引美国艺术批评家库斯比特的观点作为我们对艺术批评的一般性质的初步认知。他认为，艺术批评家的角色经常是悖谬的。因为当艺术品还很新鲜和怪异时，他就率先，常常是最鲜活地做出反应，并且初步向我们解释它的意义。然而，他的反应又常常不很全面，因为这样的艺术品还没有被广泛地体验过：作品尚未有一个历史，一个据此可以解释“文本”的语境。当批评家将艺术品当作一个当下产品来遭遇时，它还缺乏历史“负载”。事实上，批评家的部分工作就是要在历史的法庭上赢得胜诉。这就是为什么，正如波德莱尔所说，批评家经常是一个对艺术品“充满激情和党派性的观察家”，而不是对其价值做出无翻害的判断的裁判员的原因。正因为它的当代性，他扮演着鼓动家的角色，只能从作品本身的角度来处理整个案子。对敏感的批评家来说，作品始终让他感到惊异，而他则始终对它保持热度。他会让未来的历史家们去处理诸如解剖艺术品——到那时，它通常已被假定有一个公认的意义一一之类的事情。 　　　　然而，批评家当下的观点常常成为有关该作品的本质特征的基本评价。批评家的反应，如果说不是所有未来解释的范型，至少是所有未来解释的条件。他的关注是作品进入历史的门票。现代批评家权力的标志，就是他对新艺术的命名。比如，路易斯·沃塞尔[LouisVauxcelles]的标签“野兽派”和“立体派”就曾大大地影响了人们对这些风格的理解。通过命名，这些艺术品对未来的人们来说就被赋予了某种本质特征。而且，只不过以“符号圈地运动”[Semioticenclave]——借用乌贝托·埃科[Unberto Eco]的术语一一作为开端的理解，成了话语构型的一整套语言，并且开创了各种观点的全部氛围。说白了，其责任是重大的。格林伯格有一回曾写道，批判性地趋近艺术品的最佳时机是当它的新颖性已经逝去而它自身却尚未成为历史之时。然而，正是在这一时刻，艺术品的阐释最是未曾得到解决，最是易受攻击的时候；也是在这样的时刻，批评家以即席命名的形式所作的当机立断，能够一劳永逸地封存它的命运。因此，正如奥斯卡·王尔德[Oscar Wilde]在《作为艺术家的批评家》[Critics as Artists]当中所说的那样，批评对艺术至关重要；批评把握、保存、培育、提升艺术。 　　　　由于对批评的效验估计不足，也由于对欧美上百年的现代艺术批评缺乏起码的参照，国内艺术批评多少尚处于黑暗中摸索阶段。最近10年来，虽有不少西方当代艺术材料被介绍进来，但是，令人遗憾的是，甚至介绍者本人对这些材料也不甚了了(国内乱轰轰的后现代主义理论研究即是明证)，或者以一种绕口令般的伶牙利齿在美术界捣浆糊，使本来严肃的学术工作往往成为一场混仗。于是，甚至出现了——据说流行于美术学院——“西方艺术没有什么，他们要等到塞尚以后才有文人画”之类的荒谬绝伦的观点。如果说本书有什么主题的话，那么其中之一肯定是对这种观点的批评。正当我们奋力抵抗所谓的“西方中心主义”的时候，曾几何时，中国中心主义早已偷偷地从后门溜回来了。事实上，它又何曾从我们泱泱大国五千年文明的“中国”血液中离开过?将艺术界(包括艺术教育界)观念的混淆单纯地归结为缺乏真正意义上的艺术批评(因为批评的原义之一就是“辨析”，亦即使观念尽可能清晰地得到表达)，可能失之简单。但是，对西方艺术批评的漠视与无知，已经让我们的学生吃足了苦头。 　　　　后果之一便是今日中国艺术走向了两个——至少在我看来——毫无希望的极端。在一极，艺术成了一种单纯的笔墨游戏与自娱自乐，一群与当下感性毫不相关的文人雅玩或匠人的玩意见。这类所谓的画家像龟缩在洞穴中的爬行类动物，固执而有耐心地蛰伏在他们的弹丸之地，他们坚固的硬壳足以抵挡任何来自外界的风雨的骚扰，社会的转型、生活的演化、感受性的变迁、审美观念的变化，在他们看来都是毫无意义的东西，或者干脆是不存在的。其理论依据据说来自丹尼尔·贝尔[Daniel Bell]的文化矛盾学说，一种认为在经济一技术、政治一社会与审美一文化之间有着不同步的结构的观点。问题在于，在贝尔那里只是一种“事实”[fact]的描述(还是相互“矛盾”的事实)，到了中国的文化保守主义者那里却成了一种可以遵照无误的“规范”[norm]。另一种理论据说是波普尔[Karl Popper]的“问题情境”，学说与贡布里希[E．Gombrich]的“图式理论”，一利认为艺术史的风格是艺术家在一定的情境中解决艺术问题的结果的思想。在这儿，波普尔的多样性的“问题情境”被许多人还原为单纯的“形式问题”，而在贡布里希那里是如此丰富而多层次的“趣味逻辑”则被简化为纯粹的“程式与匹配”的“形式课题”(好像贡布里希从来没有关心过趣味的变化似的)。 　　 文化保守主义者的另一个理由据说来自“对20世纪中国艺术史逻辑的观照”。在他们的观照中，20世纪的所谓“三大艺术思潮”，即主张水墨画西化的徐悲鸿与主张中西融合的林风眠都或多或少地失败了，唯独主张“拉开中西绘画距离、各自迈向各自高峰”的潘天寿取得了伟大的成功，并与吴昌硕、黄宾虹、齐白石一道，成为20世纪中国艺术史上最伟岸的大师。本书作者无意否定上述诸人的成就，对诸大师之间(包括徐、林在内)的排队问题也丝毫不感兴趣。我想指出的只是这样一个从未或很少处在人们反思范围中的事实：即20世纪30至40年代的中国现代艺术(特别是在上海)是如何在上世纪中叶的政治运动与保守主义分子的群起而攻之之下渐渐消亡的。所谓“三大思潮”，不管是西化派、融合派还是距离派，在我看来，只是文化保守主义阵营内部的争吵。而20世纪中国艺术史真正的三大思潮中，只有文化保守主义获得了空前成功，来自苏联的社会主义现实主义”过去在国内就没有得到过心悦诚服的承认，如今则早已成为新左派批评家反刍的草料，而现代主义的罂粟却像昙花一样烟消云散。但是，它顽固的毒素在被压抑了整整30年以后，终于在80年代中期悄悄绽放。 　　 第二个极端——在我看来是一个更阴险也是更恶毒的极端——就是在90年代以后以发烧似的热度迅速传播的流行性病毒：后现代主义。正如在欧美，后现代主义是无法挑战现存资本主义的情况下左派激进冲动的一种替代性选择(特别参见法国少壮派理论家费里与雷诺[LucFerry and Alain Renaut]对后现代老大师们的反击之作《60年代的法国哲学》[French Philosophy of the Sixties]，以及伊格尔顿[Eagleton]的《后现代主义的幻象》[The Illusions of Postmodernism])，中国式后现代主义的盛行也是80年代末中国激进知识分子新启蒙运动受挫的结果，从此，后现代主义立刻成为文化保守主义与新左派的最佳救命稻草，并加速了文化保守主义与新左派在反对现代主义这一点上的同盟，再次完成了对80年代中国现代主义的扼杀(情形与40年代末有着惊人的相似)。 　　　　后现代主义是兴起于西方60年代，在70年代达到猖獗的哲学、社会文化与艺术思潮。80年代初，主要由于哈贝马斯[Habermas]的分水岭之作《现代性：一项未完成的方案》[Modernity：An UnfinishedProject]的宣读，西方思想界开始了对后现代主义的强大的批判运动。80与90年代西方人文学科与社会科学的一个主题，可以被归结为现代主义／后现代主义之争。这在思想界表现在伽达默尔／德里达[Gadamer／Derrida]之争、哈贝马斯／福柯[Habermas／Foucault]之争这样的大师级理论交锋中，表现在法国新生代思想家费里与雷诺等对前此20年中拉康[Lacon]、福柯、德里达、布尔迪厄[Bourdieu]、博德利亚尔[Baudrillard]、德勒兹[Deleuxe]与利奥塔[Lyotard]的压倒性后现代思潮的直接对抗上，体现在德国中生代思想家魏尔默[A．Wellmer]、霍内特[A．Honneth]与法兰克[M．Frank]对法国思想的全面挑战中。在批评界体现在希尔顿·克莱默对后现代主义“庸人的报复”(参同名批评文集The Revenge of the Philistines)所作的反击上，体现在哈贝马斯与魏尔默对詹克斯的“后现代主义建筑理论”所作的驳正上，也体现在艺术批评界持久的“沃霍尔[wlarh01]还是博伊斯[Beuys]”的争论中。在艺术运动中，它不仅体现在德国“新表现主义”对美国波普艺术的宣战中，体现在98－99年美国现代艺术博物馆所举办的波洛克EPollock]大型回顾展中(并比较80年代批评波洛克及其高度现代主义的著名论文集《波洛克之后》[Pollocck andAfte门，以及99年出版的“批判之批判”论文集《波洛克：新的取向》[Pollock：New Approaches])，还体现在人们对晚期德朗[Derain]、巴尔蒂斯[Balthus]与莫兰迪[Morandi]的具象绘画的那种持久高涨的热情中。 　　　　90年代以来，几个特殊的案例事实上已经宣判了作为一种持续的哲学、思想文化与艺术思潮的后现代主义的死亡，尽管它的某些假设还将产生持久的影响。这也是拙著《透支的想象：现代性哲学引论》(学林出版社2003年版)的结论之一。在这些案例中，“海德格尔[Heidegger]事件”、“保罗·德·曼[Paul de Man]事件”与“索卡尔[Sokal]事件”具备足够的典型性。据说海德格尔是20世纪最具原创性的思想家，只有维特根斯坦EWittgenstein]一人堪与媲美。但是，海氏将希腊的存在本体论、中世纪的神学本体论与现代的逻辑本体论，一视同仁地概念化为“存在一神一逻辑学”[Onto-Theo-Logik]是一种典型的削平论。相应地，他将苏格拉底以后的整个西方历史一律视为“远离神的黑暗”，并于20世纪来到“黑夜之夜将达夜半”的最黑暗时期，也是对西方历史的过分简化的图解(显然是尼采的反启蒙思想“人类历史不是一部进步史，而是一部退化史”的翻版)。由于海德格尔戴上了这样一副哲学墨镜，他就不可能对20世纪现实中的色彩与层次做出区分，从而将国家社会主义、极权主义与自由民主制一律视为“现代性的产物”。在他看来，德国纳粹主义、苏联共产主义与美国自由主义，统统都是“同一回事”。这在某种程度上解释了他在德国纳粹运动中以及在其后的“非纳粹化”运动中的所作所为。“海德格尔事件”的复杂之处固然不容许人们在一个思想家的思想与他的在世行动中做简单的彼此类推，亦即，说海德格尔的思想直接导致了他的纳粹行为，或者说海德格尔一度的行为证明了他的思想是纳粹主义的，这都是不明智的。但是，如果说海德格尔的思想，再宽泛一点讲，德国20-30年代右翼知识分子(海德格尔、容格尔[Ernst Junger]、舍勒尔[Max Scheler]、卡尔·施米特[Karl SChmitt]，“汉语学界”右翼知识分子最为心仪的“四尔”)叫嚣着大地、鲜血、战争、种族的非理性主义思潮，与纳粹意识形态之间没有一点关联，那也委实太天真了! 　　 上世纪60年代，基本上由尼采与海德格尔培育出来的法国后结构主义思潮，漂洋过海去到美国后，在美国获得了更为露骨的后现代主义动机。正当美国陷于越战的泥潭而遭致自由民主价值的最大的合法性危机之时，由德里达打头，所谓的“耶鲁四人帮”为后盾的美国后现代主义思潮迅速地在全球漫延开来。其中最著名者，叫保罗·德·曼。此人极其聪明，文笔流畅，思路清晰。其基本观点是，一切文本都是作者袒露与隐瞒的运作，记忆与遗忘的策略。一切阅读都是误读。而写作与阅读则构成作者与读者之间一种揭露与掩盖、设访与投射的游戏。80年代末，从他年轻时期的某些档案材料中，人们发现了他原来是纳粹时期一个积极的反犹主义者。于是，美国大学特别是英文系里那些天真的解构主义信奉者们，突然惊讶地意识到了某个事实：解构主义与罪恶意识的压抑(遗忘)之间的不经意流露的关联。 　　　　90年代初，美国的“索卡尔事件”使后现代主义的最后一点美丽幻象也破灭了。索卡尔是一位美国物理学家，他花费了差不多整整两年的时间，处心积虑地炮制了一篇题为《超越界线：走向量子引力的超形式的解释学》[Transgressing the Boundaries．"Toward a Transformative Hermeneutics of Quantum Gravity]的诈文，其中充满了常识性科学错误同时却充斥了后现代主义者最喜爱的奇思妙想与时髦术语，并把它投给了美国最著名的后现代主义刊物之一《社会文本》[SocialContext](中国社会科学院的座上宾詹明信[F．Jameson]是该刊的主编之一)，结果是，此文被登了出来。尽管这一事件的深远意义远未为人们充分意识到，但是，人们普遍认为，此举表明了后现代主义者的学术水准已经下降到了何种荒唐的地步。 　　 可以并不夸张地说，上述三个事件事实上已经宣告了哲学、文学艺术与社会文化三个层次上的后现代主义思潮的破产。“事件”之所以为“事件”，乃是因为人们在其中倾注了大量热情，因而卷入了无数文献。围绕着这些事件，人们能够组织起纷纭的思绪，从而给予一个时代的精神状况以实体表现的形式。而这个时代精神状况则是：人们对于后现代主义应当被理解为20世纪下半叶西方社会的一种病理症状对一点已经获得了清楚的自我意识。后现代主义以其智性上的反理性主义、道德上的犬儒主义与感性上的快乐主义，即便在最为流行的时候，也没有逃脱西方有识之士的尖锐批判。本书多次提及的哈贝马斯就是这样一位思想家。而另外一些学者，则将后现代主义看成西方高度现代主义[high modernism]的一个反题。现在，走向终点的反题已经失去了昔日的锋芒，一种新的综合开始到来。那就是“后现代之后”：魏尔默与霍内特之坚持现代主义与后现代主义的辩证观，当作如是解。然而，本书作者宁愿坚持一种拓展了内涵的现代主义立场，并认为哈贝马斯的“未完成的现代性”，或贝格尔的“后前卫艺术”的提法更为可取。因为，如果说现代主义是西方现代艺术的正题，那么，贝格尔所说的旨在摧毁现代主义自主原则的“历史前卫艺术”[historicalavant－garde，指达达主义、早期超现实主义与苏俄前卫艺术]才是现代主义的反题。而后现代主义，某种意义上只是欧洲历史前卫艺术(以杜桑[Duchamp]为代表)的延续，某种意义上则是欧洲历史前卫艺术的一个搞笑的美国版(以沃霍尔为代表，参本书所述胡伊森精彩的分析)。因此，导源于对现代性的敏感意识的现代主义，其潜力远未穷尽，而它在遭遇历史前卫艺术与后现代主义的挑战后，反而显出了更顽强的生命力。这就是本书结论中所说的“无边的现代主义”的基本意思。 　　　　然而，正当后现代主义在它的原发地已经走向终结的时候，它在中国却获得了始料未及的繁衍契机。与某些论者不同，本书作者并没有简单地将中国式后现代主义归结为学术界与艺术界鹦鹉学舌的结果(所谓“话语的平移”)。后现代主义在中国的传播有着深层次的历史原因，也有着更为具体可感的现实动机。后现代主义的反基础主义、反总体性、反主体性、强调动态过程胜于静态结构，与中国前现代性思维是如此合拍，以至于人们稍加思索就不难从后现代主义当中辨别出中国保守主义者的弦外之音。而它所宣扬的后现代主义视觉美学：非线性几何、不对称、反崇高、散点透视乃至中国园林式“后现代空间”……也与中国前现代性美学如出一辙。不是偶然的是，西方鼓吹后现代主义建筑最起劲的查尔斯·詹克斯先生的太太就是一位研究中国园林的专家。而欧美某些后现代主义“建筑大师”到中国来兜了一圈后欣快地大叫“后现代建筑在中国”，也就不难理解。于是，贫困时代的灾难性混乱、粗野的地方性崇拜与不加克制的复活主义立刻被宣布为后现代性的前卫性。而近年所谓“经济起飞年代”的那些拙劣的伪现代建筑与陈词滥调的现代主义当然不加区分地被宣布为“现代主义的垃圾”。 　　 后现代主义在中国落脚的时候，正是80年代尚未分化的中国知识分子群体的“新启蒙”遭到重创的时候。这赋予了后现代主义在中国的传播以干载难逢的大好机会。由90年代初的北京大学出版的《走向后现代主义》开路，北大与中国社科院一路高歌走向“后现代主义”的文化出版事业大游行：《后现代主义文化研究》、《后现代主义文化与美学》、《后殖民文化批评》，直到蔚为大观的“知识分子图书馆”(似乎只有后现代主义分子才配称得上“知识分子”的称号)。显然，除了迎合文化保守主义的心态，后现代主义太切合新左派的胃口了。在中国的文化保守主义者与新左派眼里，难道还有比批判形而上学的恐怖主义、理性社会的大监狱、西方中心主义的险恶用心、自由民主的乌托邦、全球化的谎言，宣扬身份与差异、文化与价值相对主义的后现代主义更好的东西吗? 　　　　与保守主义者忽然从后现代主义中找到了中国前现代性的新的合法性一样，中国的后现代主义者则从西方后现代主义“没有底盘的游戏”(德里达)、“一切皆可”(邓托)、“快乐的虚无主义”(奥利瓦)以及“正经不起来”(苏姗·桑塔格[Susan Sontag])那里，发明了“政治波普”、“泼皮现实主义”、“新文人画”、“玩得就是心跳”、“一点正经没有”，以及各式各样假冒的观念艺术。但是，与保守主义的危险不同，中国式后现代主义的危险并不在于它成了与当下感性全然无关的形式玩物与装饰，而是走到了另一个极端；即不顾一切形式法则与视觉质量的纯粹的观念。西方“历史前卫艺术”的合理因素在于：他们的反形式[anti－form]与反艺术[anti－art]是建立在西方现代艺术史特别是经典现代主义的高度形式主义的正题之上的。这样，前卫艺术的反题才拥有了一定的合法性。而中国式后现代主义在没有任何语境的前提下，一下子走到了反形式的前卫艺术，因此它除了孤零零的个别事件之外，不可能产生真正的文化政治[cultural politics]效应。不仅如此，它的真正危险在于，它以貌似激进的观念掩盖了这样一个基本事实：即中国现代性的先天不健全；并以这种思想的短路形式扼杀了中国当代艺术的现代性诉求。 　　　 在本书即将完成之际，我读到了英国著名批评理论家伊格尔顿的如下一段话：“今天在北京大学设有一个后现代研究的机构，中国在进口减肥可乐的同时一起进口德里达。一种需要深入探讨的时间扭曲。殖民主义的进程有助于在好坏两方面剥夺第三世界社会的发达的现代性，现在这个进程让位于新殖民主义的进程，由于这个新的进程，那些部分地是前现代性的结构被吸入了西方后现代性的旋涡。这样，没有继承一种成熟的现代性的岳现代性日益戒为它们的命运，好像落伍造成了一种形式的早熟。一个进一步的矛盾是，在古老与先锋的痛苦张力中，在文化的领域里，再造了一种现代主义艺术的某些经典条件。”(伊格尔顿：《后现代主义的幻象》，第139页)中国是否已经具备了现代主义艺术的经典条件，本书暂且不论。这里能说的是，从意识到我们的参照系的情形——西方现代主义事业的未竟使命及其后现代主义的幻觉——的那一刻起，这种条件就已经在形成之中了。因为，意识的照亮之处，正是救赎的开始之时。本书作者并不自命为这一救赎的努力当中的一部分。我只能满足于在四处弥漫着的文化保守主义与后现代主义大雾中保持清醒的尝试，并且坚信，正如文化保守主义一后现代主义同盟曾经欢呼雀跃地宣布中国可以并且应当绕过现代性直接跃入岳现代性是一场白日梦一样，那种认为后现代主义乃是中国艺术的命运的说法也只不过是一纸谎言。曾几何时，人们是那么醉心于中国可以避开工业化、城市化与社会化的现代性命题直奔信息化、乡土化与社群化的“后工业社会”的美梦，然而，一个越来越被认可的事实却是：中国一向试图绕过去的工业化进程、市场法则、理性化管理、程序合理性、法治原则，乃至于统治的正当性基础，却原来是绕不过去的现代性的硬核!而我们在走向社会的现代化与文化的现代性过程中所遭遇的种种挫折，无不可以追溯到这样一个事实：即我们没有从思想意识到行为习惯上真正确立主体性——黑格尔认为的现代性的本质——的基础地位。回顾中国式后现代主义狂热对“主体性”的嘲笑与“解构”，难道还不让人感到啼笑皆非吗!事实上，文化的中断与意义的失落(我们在处理传统与现代性问题上的曲折与反复)、社会的未分化和并非建立在真正的个体主体性基础之上的社会的虚假团结，以及个性的匮乏，解释了以下社会现实：由于我们在处理传统与现代性的关系问题上的笨拙，以至于“创新”需要被当作一种政治口号由政府来加以提倡；由于我们并没有真正确立起一种自我选择、自我负责的现代性的自律道德的基础，以至于“诚信”居然成为一个“拥有五千年文化的文明礼仪之邦”在遭遇现代市场法则与新型人际关系时的最大问题；由于强大的儒家传统与20世纪极左派集体主义意识形态对个体主义的压抑，以至于“个性”的不健全始终成为中国各种社会现象最有解释力的终极原因：由于缺乏个性，整个社会才循环地陷于各种“群众运动”之中；由于没有个性，整个社会才经常承受着未分化(在某种意义上就是没有多元的价值体系及其相应的多元的生活方式)所带来的巨大压力。以至于，人们可以说，一个庞大的无边无际的来分化社会的海洋(特鄹是农村)，为顽固的文亿保守主义提供了源源不断的社会资源；雨一个尚来形成自我意识中心、自我价值定位与自我道德承担的“无中心的”[non－centered]个人。恰恰成了“去中心的”[de－centered]、啕醉迷狂的、“一切皆可的”和不负责任的后现代主义的最佳温床。 　　 本书出版之际，我感到更加有必要感谢徐岱、高力克、毛丹、孙周兴、刘翔诸位先生，他们把我从结束学生生涯不久后的那种心智懈怠与无所事事中挽救了出来。回顾近十年的学术道路，我所取得的每一次转机都与他们在浙大玉泉校区所营造的智性氛围有关。对老浙大的怀念已成为一种珍贵的人生体验。没有一种氛围，一个人什么也干不来。因为你不可能在毫无氛围的情况下凝聚起纷乱的思绪。 　　 在本书的写作过程中，我还有幸前往剑桥大学从事为期一年的访学研究。在此要特别感谢剑桥大学艺术史系主任Dr．Binsky，他的热情好客使我得以自由地使用他们丰富完备的系图书馆和幻灯资料室。而Dr．Alice Mahon的现代艺术史专家与三一学院Fellow的双重身份，不仅给予了我直接的专业指导，而且还让我领略了最古老学院的日常生活气氛。我在剑桥的东道主哲学系则使我第一次感受到了“剑桥名士”们的风采。Dr．Raymond Geuss令人惊叹的慷慨博达与逸情雅致，常常令人如沐春风、豁然开朗。他的个人背景(出身于美国、长期就学与就勃于德国)及其德国思想史的学术背景，让我在一个视哲学基本为数理逻辑的剑桥环境中找到了“知音”。本书的最后体例就是在与他的无数次讨论之后才确定下来的。 　　其后去欧陆的游历虽然短暂，但至少部分地实现了我从少年时代就开始编织的梦想。艺术在这里　　见证了天地人神四方际会、供奉与馈增的游戏(巴台农神庙)，见证了古典时代的英雄精神(万神殿)，见证了中古时期神明与圣明的在场(“欧洲大教堂”)，也见证了文艺复兴时期人性与神性的卓越平衡。置身于欧洲就是徜徉于艺术。置身于欧洲意味着要回答如下问题：艺术之为美的形式如何与艺术之为真理的在场以及艺术之为道德的进盼相互关联?[How an art as the beau tiful form is related to an art as the present of truth and the stageto morality?]置身于欧洲还意味要回答这样的问题：一种伟大的文明如何屹立于地表，以及在这种伟大的文明中，艺术能够扮演何种伟大的角色?欧洲是真理的声音战胜虚无主义的历史本身，是道德的力量战胜犬儒主义的历史本身，是艺术的激情战胜猥琐无聊的历史本身。而这一历史本身又是如此直观地凝固在欧洲的城市建筑、广场、雕塑以及各大博物馆中!我在欧洲的经历使我懂得，一种伟大的艺术如何可能，以及一种伟大的文明最终怎样结晶于伟大的艺术之中!这一信念已经深深地沉淀于本书的血脉中了。 　　 在我感到有必要感谢的人当中，范景中先生的位置绝对位于前列。我深受其思想影响的人当中至少有两人(波普尔与贡布里希)与他的出色工作有关。因此，当范先生询问我可否将此书交给中国美院出版社出版时，我毫不犹豫地答应了。 　　 对写书的人来说，没有比遇到一位好编辑更幸运的事了。周书田女士热情而又高度负责的态度使本书得以最快的速度与读者见面。她不厌其烦地编选与调整大量插图，也使本书严肃的理论面孔变得可忍受了。 　　 最后，但不是最不重要的，我要感谢一直陪伴我左右的两位女士。她们对我的爱怜与纵容是我生活中的永恒慰藉。刚到欧洲时的单身生活使我更加刻骨铭心地感受到了她们在我生命中的位置。她俩的到来使我的生活得以恢复，并着手此书的写作，因此，把它献给她们，理所当然。　　

Art and visual perception

作者：  (美)鲁道夫·阿恩海姆(Rudolf Arnheim)著;滕守尧，朱疆源译

出版社：四川人民出版社,1998

简介：看起来，艺术似乎正面临着被大肆泛滥的空头理论扼杀的危险，近年来，真正堪称为艺术的作品已不多见了。它们似乎在大量书籍、文章、学术演讲、报告会、发言和指导等——这一切都是想要帮助我们弄清楚什么是艺术，什么不是艺术；什么人在什么情况下创造了什么作品，他为什么或为了谁才创造了这些作品等等——组成的洪流中淹没了。在我们眼前出现的是一具被大批急于求成的外科医生和外行的化验员们合力解剖开的小小的尸体。由于这批人总是喜欢用思考和推理的方式去谈论艺术，就不可避免地给人造成这样一种印象：艺术是一种使人无法捉摸的东西。 这本书所要达到的目的之一，就是对视觉的效能进行系统地分析，以便指导人们的视觉，并使它的机能得到恢复。

Art and social theory:sociological arguments in aesthetics

作者：  (英)奥斯汀·哈灵顿(Austin Harrington)著:sociological arguments in aesthetics;周计武，周雪娉译

出版社：南京大学出版社,2010

简介：　　 《艺术与社会理论》一书对艺术社会学研究作了综合的概述。它论述 　　了社会理论家与社会学家中较关键的一些论争，这些论争同艺术在社会中 　　的地位及美学的社会学意义有关。在正文部分，本书讨论了艺术的意义同 　　社会机制、社会经济结构变化之间的关系问题，讨论了审美价值与文化政 　　治、趣味与社会阶级、金钱与赞助制度、意识形态与乌托邦、神话与流行 　　文化，以及富有争议的现代主义和后现代主义的意义等问题。对于现代重 　　要的艺术社会理论家，从韦伯、齐美尔、本雅明、克拉考尔和法兰克福学 　　派，到福柯、布迪厄、哈贝马斯、利奥塔、鲍德里亚、詹姆逊，本书呈现 　　了清晰的逻辑线索。 　　

Art in its ritual context:essays on ancient Chinese art by Wu Hung

作者：  (美)巫鸿著;郑岩，王睿编

出版社：三联书店,2005

简介：本书选译了著名美术史家巫鸿教授自1985年以来发表的31篇论文。这些论文；围绕着”礼仪美术”(ritualart)这一基本概念讨论了中国上古和中古美术中的多项艺术传统和形式，包括史前至三代的陶、玉和青铜礼器，东周以降的墓葬艺术，佛教。道教美术的产生和初期发展等。这些论文大量使用考古和文献证据，以扩大美术史研究的广度和深度。作者结合人类学和社会学 的理论和方法论，探讨建筑、雕塑、画像和器物等各种视觉形象的组合以及与人类行为及思维的有机联系。其分析对象不再是孤立的物品和图像．而包括了对视觉环境的复原以及对艺术品的创作动因、社会环境，礼仪功能以及观者反应的考察。文章中的讨论往往在两个层面上进行，除了对具体历史问题的考察，还反思有关的学术史和研究方法。相当一批论文从比较文化史的角度探讨了中国古代美术的特殊物质性和视觉传统对重新思考中国美术史的叙事结构具有重要意义。 在西方学界中，这些文章对近年中国古代美术的研究已产生重要影响。本书是国内首次对巫鸿教授学术成果的系统介绍。全书分为四部分，包括史前至先秦美术、汉代美术、中古佛教与道教美术，及古代美术沿革。书后附有访谈录、论文出处。书中插配古代美术品照片、拓片、线图，地图等图像600余帧。

英文共同题名：Art ＆ science

作者：  李砚祖主编

出版社：清华大学出版社,2007

简介：本卷以艺术与考古学、艺术与地理学的研究为主题。在我国，这方面的研究还刚刚开始。在艺术与考古学方面，首先刊发了著名美术考古学者刘敦愿先生的旧文《考古学与古代艺术研究》和几位中青年学者的研究文章，这些论文或出新见，或持以新方法、新视角而有新论，可以说是这方面研究的代表性成果，值得关注；亦有两篇文章分别从青铜器造型、装饰功能诸方而进行了不同于已有观点的探索。 艺术与地理学的交叉研究方面刊发了三篇译文，涉及绘画、艺术史、设计史等方面，富有启示意义。 探索栏目的几篇文章分别阐释了有关陶瓷及装饰艺术的研究新成果。田野栏目刊登了有关白族金属工艺调查的文章，对云南传统手工技艺传承现状的研究有一定的价值。

Art and visual perception:a psychology of the creative eye (the new version)

作者：  鲁道夫·阿恩海姆(Rudolf Arnheim)著;孟沛欣译

出版社：湖南美术出版社,2008

简介：　　《艺术与视知觉(新编)》是一本完全重新编写过的书，它采用一种不受羁绊的写作风格来系统地陈述艺术与视知觉。 书中力图将那些潜在的原则清晰地陈述出来，阐述了视觉所具有的倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，以使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间和运动等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。 　　艺术似乎正在面临着一种危险，那就是被大量空泛的理论探讨所淹没。这使得公众形成一种印象：艺术飘忽不定，很难把握。这是因为那些人太多得使用理性思考和理论探讨的方式对待与艺术有关的问题。

Handbook of art therapy

作者：  (英)卡洛琳·凯斯(Caroline Case)，(英)苔萨·达利(Tessa Dalley)著;黄水婴译

出版社：南京出版社,2006

简介：　　艺术治疗是通过艺术形象这个媒介进行的心理治疗，在围绕形象制作的全过程当中，在病 、治疗师、形象这三者之间的互动当中解决病人在精神方面出现的大大小小的问题。在国外，艺术治疗已经发展成为一个稳定和独立的职业，从事这一行的专业人士必须经过严格的训练。本书集中介绍了艺术治疗师们到底在做些什么，他们在什么样的地方艺术治疗，艺术为什么以及如何和治疗结合在一起，帮助人们获得健康的生活和了解自身潜在的问题。本书的作者具有丰富的艺术治疗教学经验和实践经验，她们把治疗师和病人对艺术治疗的体会当作第一手材料，凭借其开门见山和扎根于实践的特殊，向读者提供了有关艺术治疗非常宝贵的资料。 　　 　　作者简介： 　　卡洛琳·凯斯（caroline case)在苏格兰的一个儿童教育和护理项目中担任艺术冶疗师，同时也进行私人执业。 　　苔萨·达利（tessa dalley）在伦敦一家为成人和儿童提供咨询的治疗中心担任艺术治疗师，同时也是伦敦大学戈德史密斯学院（goldsmiths' college,univer sity of london）的导师。 　　

艺术是个救生圈

作者：  赵鑫珊著

出版社：上海辞书出版社,2008

简介：自古以来，东、西方出版的有关“艺术哲学“（The Philosophy of Art）的论著估计有上千种。时至今日，还有必要再添加一种吗？有这个必要吗7不重复吗？不会拾前人之牙慧吗？太阳底下还有新事吗？在写这本书之前，我慎重思考过这些问题。 上海有家典雅的咖啡厅“Figaro”（在兴业路和马当路的交叉点上），这里是做“白日梦”（Day—Dream）的好去处，我常来这里闲坐。2007年9月1日，正是在这里，我决定还是要写的。我确信太阳底下总有新事物冒出来。这里有两种情况：第一，推陈出新，或老问题新看（New Light on the Old Problems）。有些基本事物（或概念）永远会纠缠住人类的头脑不放，比如时间、空间、光、上帝、人生的意义和目的，死亡的涵义究竟是什么。那么，“艺术究竟是什么”这一古老追问同样也会永远纠缠住人类。近年来，世界许多地方的思想家又在不约而同地追问“什么是幸福？”——这正是“老问题新看”。 别墅的庭院内有一株百年老树，主人面对它画了五个小时。仆人问：“这屋，这树，这山，都是老爷的，您为什么还要把树画在画布上呢？”回答这个提问不容易，它涉及艺术的本质，涉及艺术家创作的深层心理动机。 第二，人生世界在日新月异地发展，这对艺术创作是个新刺激，“老革命碰到了新问题”。比如建筑设计师遇上了电脑数码时代，古老的手绘艺术草图还有价值吗？手绘艺术（徒手画）会被电脑完全挤出历史舞台吗？2007年8月，我作为“庐山艺术学会”主席荣幸地参加了“庐山建筑草图艺术高峰论坛”。期间，著名空间艺术设计师余静赣先生有段话给了我深刻印象： “手绘草图（建筑手绘艺术设计）是黑色的思考；从中会有灵感闪现，有创思神来之笔。功利年代，电脑绝对是利器，只是艺术这东西玩的绝对是性情。所以艺术设计构思还是需要手绘。在今天的创作，电脑不是一无是处。其实手中的笔和电脑都是为人脑服务的工具，只是目前的电脑在构思表达速度上还远比不上手绘构思创作来得快；手中的笔如流水般，自然地流淌出人性、性情；流淌出思想、观念和智慧；流淌出艺术的哲理……这却是电脑不及的！” 　　本书是赵鑫珊先生对于艺术和人生的关系的再思考，分十二个章节，分别对音乐、绘画、书法等艺术领域内杰出的艺术家作了作品和内心的剖析，并融进了作者自己对艺术家及其作品的感悟，知识性和哲理性并存，且很有可读性。全书图文并茂，情感真挚，充分表达了赵先生多年来对艺术和人生多重也多方位的体悟，读来感人至深，并受到极大的教诲和感染。 本书是各界人士，尤其青年读者加强艺术修养、提高整体素质的优秀读物。

Film in the aura of art

作者：  (美)达德利·安德鲁(Dudley Andrew)著;徐怀静译

出版社：世界图书出版公司北京公司,2011

简介：　　 作者达德利？安德鲁精挑细选了近十部挑战观众认知模式、超越标准 　　电影系统与规范的艺术电影，如大卫？格里菲斯的《凋谢的花朵》、劳伦 　　斯？奥利弗的《亨利五世》、茂瑙的《日出》、罗贝尔？布莱松的《乡村 　　牧师日记》等，赋予这些电影文本与电影理论同等重要的地位，并对它们 　　作出了精彩的阐释，指出其电影语言与众不同的“特异性”。《艺术光晕 　　中的电影》是对电影进行精细解读的典范，也是电影理论与电影批评的互 　　动为了此次的中文版，《艺术光晕中的电影》修订了部分文章，并特别增 　　加了一篇分析贾樟柯影片《世界》的评论文章。 　　

Philosophy of digital art

作者：  马立新著

出版社：中国社会科学出版社,2012

简介：《数字艺术哲学》通过系统的思维、系统的眼光和系统的方法对数字艺术现象进行了深刻的剖析；对构建数字文化发展的人文生态，改善数字化生存与交往进行了更多的关照；并提出了一个“数字艺术与人类社会现实建构”的较大命题。《数字艺术哲学》是国家社会科学基金项目，书稿具有前沿性、交叉性、综合性交并的特征。目前国内外更为深入的研究探讨尚不多见，许多重大理论问题如数字艺术本体性质、数字艺术的生产与消费问题、数字艺术的评价标准问题、数字艺术与人类社会现实建构的关系问题等尚不明确。

Nietzsche on art

作者：  (英)卢多维奇著;李关富译

出版社：新星出版社,2010

简介：　　 尼采的命运是很不寻常的。在生活上，他早年丧父，遭受过失恋的打击 　　，病痛又折磨他一生，直至精神分裂，过早地离开人世。在荣誉上，他比不 　　上叔本华，能够在黄昏时看到鲜花。在思想史上，情况就更复杂了。许多人 　　反对他，把他视为“疯子” “狂人”，甚至有人视他为“法西斯主义的思 　　想先驱”。连一些严肃的哲学家也是如此。但也有人崇拜他，把他视为罕见 　　的天才，是19世纪三个最伟大的先知之一。对尼采其人，其说究竟作何评价 　　才算是全面的、公允的，这问题不在我们的讨论之列，不过，我们必须正视 　　这样的事实，即不管尼采的思想是正确的还是错误的，它已经在当代西方哲 　　学、美学、文学艺术等众多领域产生了巨大的影响，他继叔本华之后，把现 　　代非理性主义推到了一个高峰。要全面把握现代西方美学和文艺思潮的发展 　　脉络，尼采是绕不过去的“障碍”。 　　

Explore the art of the Disney’s animation in the US

作者：  孙立军，马华著

出版社：京华出版社,2010

简介：　　《美国迪士尼动画研究》是国内首部历经8年深入探索和研究有着80多年历史的美国迪士尼动画创作专著。《美国迪士尼动画研究》由三个部分、9章构成：第一部分为华特?迪士尼的动画王国，深入探索和研究他从1923年至1966年间的萌芽时期、开创时期、调整时期和发展时期的动画创作历程，共4章。作者用大量翔实数据横向和纵向深入分析，生动具体地介绍了华特?迪士尼在这4个时期的动画创作理论、创作规律、创作风格、创作方式、艺术创新、创作经验和教训、制片策略、经营模式等内容。 　　第二部分为迪士尼公司动画世界，深入探索和研究从1967年至2008年底的后华特时代迪士尼公司的动画创作和经营之路，由探索期、繁荣期、转型期、迪士尼公司动画发展的挑战与复兴4章构成。 　　第三部分为迪士尼公司在中国，由1章构成，主要介绍了迪士尼动画的中国战略。 　　华特?迪士尼一生中不但创作出许多伟大的作品，且有不少失败和奋斗的故事也被世人记住。他终生对动画艺术的独特理解、精湛的讲故事技巧、对影片质量和新技术的追求、不断创新的商业模式、对创作题材的大胆突破和远见卓实、精辟的创作理论，一直是全世界动画新生代尊崇的典范；他那些至今无法被复制的大量动画，一直是观众流连往返的佳片。他是动画艺术精髓的化身。 　　迪士尼公司后来的掌门人在继承华特?迪士尼的艺术精髓的基础上又有了长足的发展，但同时也经历过几起几落。迪士尼公司在低潮时如何转型扩张?创作方式、经营方式和制片方针又有了哪些新变化呢? 　　《美国迪士尼动画研究》范围之广泛，内容之丰富，见解之精辟，资料之珍贵，在已经出版的动画著作中实属罕见，真是国内乃至海外动画新人的一大福音！华特?迪士尼和迪士尼公司的丰富创作理论、创作实践、艺术创新、商业模式、成功经验与教训必将成为中国的动画创作人员和高校动画专业学生努力提高素质和创作能力、开阔视野、进行艺术实践、勇于创新的重要养分和动力，成为他们创作出更加优秀的动画作品的风向标。

Logo-art: innovation in Logo design

作者：  (英)夏洛特·里弗斯著;卢璐译

出版社：电子工业出版社,2011

简介：　　 夏洛特？里弗斯是多家国际设计杂志的自由撰稿人，并且是多本设计类 　　图书的作者，例如The Best of Disc Art等。 　　 《Logo创意设计》(作者夏洛特？里弗斯)列举了许多Logo设计，包括二 　　维和三维的Logo设计要领。全书按照行业对Logo设计进行划分，分别有：旅 　　游、餐饮食品、娱乐、时尚生活、服务等。设计人员可以从本书的案例中找 　　到很多灵感和创意，对自己的Logo设计方案有较大的启发作用。对于视觉设 　　计和广告公司的从业人员来说具有一定的案头参考价值和收藏价值。 　　 读者对象：《Logo创意设计》适合设计师、设计专业师生学习参考。 　　

Degenerate Flowers:Adjudgement of Art

作者：  北京大陆桥文化传媒编译

出版社：中国旅游出版社,2005

简介：　　曾经惊世骇俗、反传统、反主流的艺术思潮在如同花朵一般竟相怒放时，它们鲜艳夺目和神奇的生命力冲击了同时代人们的固有观念和价值世界。在主流的社会价值观下，这些怒放的花朵曾经是堕落与叛逆的象征。